IMEMORAVEL

A cara-metade de Harvey

2012-01-10T11:48:00.008-02:00

Um curta para quem está a procura da cara-metade

[Curta-metragem]

O que seria a tal ‘cara-metade’? Realmente fica difícil fazer qualquer reflexão sobre essa expressão tão surreal (a meu ver) diante dos princípios que regem a sociedade contemporânea. Atualmente vivemos por conceitos completamente contraditórios. Todas as relações humanas são pautadas em princípios mercantis. Parece um tanto bizarro dizer isso, mas o sistema de consumo em que vivemos não nos permite ou não nos ensinou a observar as formas e cores por outras arestas. E isso se reflete principalmente na concepção analítica desta nova geração de pais ausentes e cultura de massa presente. Os princípios, a natureza, a singularidade e tudo aquilo que caracteriza a nossa humanidade está sendo irrelevante. Vivemos em uma sociedade que pauta as suas concepções existenciais e as relações humanas com os mesmos parâmetros de uma transição contratual ou posse de um produto: Custo/Beneficio.

Por outro lado surgem novas exigências politicamente corretas que ditam regras de felicidade: seja magro, não beba, não fume, não coma carne, pratique exercícios constantemente, seja jovem, sorria sempre. Aguçando ainda mais a angústia e a sensação de solidão em uma sociedade High Tech. Bizarramente, aos meus olhos, parece-me uma maneira do sistema regular a carência existencial que assola as suas engrenagens. Em um ápice infernal, nos moldar a um parâmetro estético, moral e existencial. Assim como todas as coisas que consumimos. Anulando completamente a singularidade de nossas escolhas.

Harvey, personagem fictício do curta-metragem Australiano, dirigido por Peter McDonald, não está distante desse conceito. O curta narra à história de um homem obcecado pela sua "outra metade", incompleto e infeliz, que vê na vizinha do lado a chance de se ver por inteiro. Mas nem tudo aquilo que acreditamos nos perfazer necessariamente é a aquilo nos falta. A ausência pode ser de si mesmo, de uma auto-estima sobre os conceitos, valores e características. A ausência de um olhar mais apurado de quem somos, o que faremos com o que somos e para onde desejamos ir.

Alguns podem não gostar da forma como o diretor compõem as suas reflexões, transformando a película em uma seqüências de cenas surreais, grotesca, e para os mais sensíveis a tais expressões, desconfortante. Mas é através incomum e estranho que Peter McDonald nos revela o lado mais vil de nossa solidão, de nossa fome voraz pelo outro, de nosso egoísmo e egocentrismo aos sentimentos. No entanto cabe a reflexão individual de cada um. Essa é apenas a minha visão. Bom curta a todos!

Harvey (2001)
Título Original: Harvey
Direção: Peter McDonald
Origem: Austrália

Um curta metragem de Natal

2011-12-24T15:13:00.000-02:00

The Winter Stalker

[Curta-Metragem]

Como não poderia deixar passar em branco vamos comemorar essa data com uma postagem “tipicamente” Natalina. Apresento a vocês, amigos leitores, o curta. “The Winter Stalker” desenvolvido pela produtora independente “Zerofriends Films”. A direção e roteiros são de autoria Stephen Reedy que faz alguns trabalhos belamente soturnos. Mas deixarei para falar das produções de Reedy em uma próxima postagem.Vamos ao curta!

AOS SEGUIDORES DO IMEMORAVEL

Infelizmente, apesar de todos os valores filosóficos e religiosos sobre a data em questão, ainda assim tudo se resume a festa do consumo. Então meus votos não serão sobre o Natal, mas sobre transição que passamos de um ano para outro. Desejo a todos muita sabedoria, equilíbrio, renovação, saúde e paz de espírito. Desejo que todos tenham sensibilidade para perceber a si mesmos e o próximo além de qualquer limitação. Lembrando que a felicidade não está na grandeza dos feitos, mas na sutileza dos momentos que se fazem únicos pela existência de sua singular importância. Obrigado aos novos, velhos e constantes leitores. Um próspero 2012 a todos!

Muito além da propaganda

2011-12-19T23:55:00.000-02:00

Sempre observei com muito cinismo as propagandas e certos publicitários que se julgam verdadeiros artistas. A meu ver, qualquer expressão artística é livre de uma obrigação superior. E no caso da publicidade, as propagandas não surgem pela necessidade do indivíduo em expressar uma idéia ou sentimento. Surgem pela existência e a constância do ciclo capital. Surgem pela necessidade de alimentar o mercado, manter o consumo em voga.

O maioria das propagandas fazem é vender algo quase intangível, mas de extrema necessidade e procura na sociedade atual: A felicidade. Por isso trato boa parte das propagandas com o mesmo cinismo que elas se apresentam ao conceituar “a felicidade e a liberdade do individuo” com a idéia da posse de um produto. Infelizmente, assim como os produtos que consumimos, nós somos consumidos, somos apenas estatísticas para que novos ‘bens-de-consumo’ sejam produzidos de acordo com o público-alvo (Target).

É um fato, não vamos deixar de comprar aquele produto ou assistir aquela propaganda em virtude disso. Por mais pessimista que seja a minha visão realista. Existem muitas coisas bacanas e criativas na publicidade. Um exemplo disso é a premiação para o segmento, uma espécie de “Oscar da propaganda” chamado Clio Awards criado em 1959.

Sei que infelizmente o capitalismo é uma Quimera que não consome apenas o mercado, mas a visão das pessoas sobre o conceito sociedade e sobre si mesmas. Vivemos em um momento em que as relações humanas se igualam as transações comerciais, tudo é medido na lei do “Custo/Beneficio”. As propagandas que admiro saem dessa pressão sobre a felicidade. Elas dizem “Ok estamos vendendo cerveja, mas vamos falar de outro assunto e se você quiser, compre uma cerveja depois”. A Budweiser teve ótimas campanhas nesse sentido, as melhores foram em 1998. Atualmente eu desconheço... Mas as propagandas institucionais ou aquelas que não são vinculadas a governo ou empresa, apenas a uma idéia, são as mais legais.

Selecionei duas que acho bacana. Que me fizeram pensar que não somos tão superiores quanto imaginamos e que na maioria das vezes a rotina nos leva a mecanizar os nossos sentimentos e objetivos. Sei que no fundo qualquer propaganda são apenas propagandas, alguém tentando te convencer de algo. Mas existem algumas que valem a pena rir e pensar. E essa é a minha intenção nas próximas postagens.

Bom Dia, Boa Tarde, Boa Noite

Essa propaganda que eu prefiro chamar de curta-metragem é um chamariz para o 17º Festival Internacional de Arte de Contemporânea SESC. Um excelente trabalho produzido pela Associação Cultural VideoBrasil. Mais detalhes sobre o festival click AQUI

The world is where we live

A WWF sempre tem umas propagandas muito bacanas. Essa em especial "The world is where we live", mostra que não há muita diferença entre os animais quando se trata de sentimentos e percas.

Sarcasmo, ironia e curta-metragem

2011-12-18T00:22:00.001-02:00

O Sarcasmo de Martin Wichmann Andersen

Quem nunca satirizou a própria desgraça?

[Curta-metragem]

Há certos momentos na vida em que a felicidade parece não bater a nossa porta e muitas vezes acreditamos que o universo conspira contra nós. São nesses momentos que as situações mais comuns se apresentam de forma ímpar. Digo isso pois sou um admirador daqueles que sabem usar o sarcasmo, o humor ácido e o cinismo perante as tragédias humanas.Transformá-las em algo, artístico, assim digamos...

A razão de toda essa introdução é para apresentar dois trabalhos de muito sarcasmo e humor ácido dirigido por Martin Wichmann Andersen (foto a esquerda). Wichmann nasceu na Dinamarca, mas mora nos EUA, Hollywood, Califórnia, graduado na American Film Institute. Provavelmente você não encontrará muitos registros do diretor nos grandes holofotes. O sujeito está começando. Mas não me contive com as risadas assistindo o ácido e irônico curta “THAT's LIFE” que o próprio intitula "inspirado em fatos reais". Através desse curta fui apresentado as idéias do diretor. Resolvi procurá-lo, acabei encontrando no facebook.

Os dois curtas que irei apresentar seguem as referencias citadas acima. Toscamente falando (eu disse toscamente), diria que se Charles Bukowski fosse adjetivo quantitativo, definiria no parâmetro escatológico e sarcástico as intenções de Martin Wichmann Andersen. Então se você se ofende com certas “obscenidades” e considera certos exageros um absurdo ao humor, não prossiga. Mas eu, sendo um bom Mefistófeles, digo: “Siga adiante! Ria um pouco do sarcasmo que há nas tragédias da vida”. Pois é bem isso que veremos nos curtas “That’s Life” e “All Of Me”.

THAT'S LIFE

Filmado em uma câmera de 16mm o curta “That’s Life” satiriza o fim ébrio de todos aqueles que afogam suas alegrias ou tristezas em um belo porre. O curta é excelente, engraçadíssimo e a música de Frank Sinatra, título do curta, cai como uma luva!

ALL OF ME

Ah, o amor! Às vezes nem sempre o que imaginamos é suficiente para prová-lo a pessoa amada. É o que demonstra o sarcástico curta “All of Me” que também é uma música de Frank Sinatra. Note como a canção serve como roteiro para progressão da história.

30 anos de Indiana Jones e Os Caçadores da Arca Perdida

2011-12-17T10:30:00.001-02:00

Indy Animation por Jeff Gurwood

[Animação e Entretenimento]

Olá caros leitores!

Criatividade é algo ímpar a super produção. Irei explicar. Em comemoração aos 30 anos do filme Os Caçadores da Arca Perdida (Raiders of the Lost Ark, 1981), com o inesquecível Indiana Jones, Jeff Gurwood, um maluco (no melhor sentido da palavra), dedicou várias horas de seu ócio criativo para reproduzir as cenas iniciais do filme utilizando apenas brinquedos e bonecos.

Veja outras fotos dos bastidores clicando AQUI

Dizendo desta forma “utilizando apenas brinquedos e bonecos” pode parecer um tanto bobo. Mas quando você vê como o sujeito foi fiel a cada cena, cada ângulo, realmente é de ficar admirado com o resultado final. Detalhe crucial: os bonecos utilizados não são para esse tipo de animação, Stop Motion. O cenário foi todo composto por caixas de sapato, iluminação de celulares e vários utensílios caseiros. Stop Motion não é uma arte nada fácil, requer muita, mas muita paciência mesmo. Definitivamente a animação faz mérito a homenagem!

Mutirão Artístico Maringaense

2011-12-06T13:09:00.002-02:00

Olá amigos e leitores do Imemorável

Muitos de vocês, amigos leitores, adentram neste universo imemorável em virtude das minhas humildes opiniões e especulações sobre o universo da sétima arte, o surrealismo fotográfico e outras diretrizes culturalmente interessantes. Poucos sabem das minhas raízes paranaenses, especificamente, Maringá. Pois bem, neste final de semana (03/12) tive a oportunidade de conferir uma iniciativa muito bacana: O Mutirão artístico de Maringá. O evento reuniu artistas de várias categorias com um único objetivo: compartilhar, divulgar e propagar a arte.

O evento aconteceu em um espaço totalmente underground e livre de qualquer paradigma intelectual - O Democráticos Motor Bar. Foi neste ambiente, quase ao ar livre, envolto em boa música e várias tribos sociais que pude conferir o livre-arbítrio de vários artistas em distintas áreas como a fotografia, literatura, pintura e teatro.

O evento foi organizado por Luís Cláudio Silva, artisticamente Luigi Ricciardi, que também estava apresentando o seu trabalho, o livro "Anacronismo Moderno". O escritor junto com outros amigos expressionistas, já alimentava a idéia do encontro a longa data. Foi apenas uma questão tempo. A internet ajudou muito, principalmente o facebook. Através da rede social foram convocados mais de cem pessoas para prestigiar a iniciativa cultural.

Assim como este que vos fala, todos lá estiveram, puderam conferir expressões bem interessantes como o zine “Voyeur”, os poemas salpicados de sangue de Adriana Zadhi, os versos em folhetim Cléia Garcia e as fotografias de Bárbara Neves. Sem contar as interessantes pinturas de Molinari. Dentre outros artistas.

Gostaria de fazer uma ressalva para as pinturas do Molinari que cativaram a minha atenção: “A mulher nua”, não só pela volúpia dos traços, mas devido à técnica; e o quadro que automaticamente denominei junto ao pintor de “A santa ceia do Democráticos”. Molinari declarou que já pensou em pintar uma santa ceia bem aos traços de sua criatividade, porém essa idéia não se enquadra para o trabalho em questão. Mas confesso que achei bem interessante a composição de sua obra, além de ter figuras marcantes do bar, a geometria do quadro e a posição dos personagens reais suscitou em mim essa referência criativa.

Molinari e os amigos escritores Luigi Ricciardi, Marco Hruschka

"A quase, santa ceia"

Desejo ao encontro uma longa-vida! Que este seja apenas um entre milhares, reunindo apreciadores e artistas, profissionais e iniciantes. Pois o mais bacana do encontro foi presenciar várias tribos reunidas além das veredas virtuais. Que venham outros mais, é sempre bem-vindo esse pulsar de sangue e vida, pessoas e opiniões, lugares e manifestações. Talvez, não para protestar, mas cultivar a interação humana, partilhar idéias, sentimentos,e principalmente, cultivar amizades.

É sempre bacana ver que existem pessoas produzindo, escrevendo, vivendo.

Agradeço a gentileza dos amigos escritores(as) Luigi Ricciardi, Marco Hruschka e Thays Pretti. E a todos os bons (e novos) amigos que fiz.

Até a próxima leitores!

Fotos: Márcio Domenes

Fake Trailers [Cine B]

2011-11-07T20:15:00.003-02:00

Filmes que jamais estarão em cartaz
PART I

[cine B: Artigos]

Olá amigos e leitores do Imemorável!

Provavelmente alguma vez você já se deparou com algum trailer muito interessante sobre um enredo que gostaria de ver na telona. Depois de algum tempo descobriu que aquele trailer, daquele filme, era falso. Pois é, esses são os famosos “Fake Trailers”. Seja por falta de orçamento ou com advento da internet, eles surgem para entreter, divulgar o trabalho de um filmaker, confundir a nossa cabeça ou apenas ser bizarramente incomum.

A ORIGEM DOS FAKE TRAILERS

Os “Fake Trailers” sempre existiram, porém com propósitos diferentes. Um bom exemplo é o filme de 1958 do diretor Kurt Neumann, conhecido aqui no Brasil como “A Mosca da cabeça branca”. [veja o artigo sobre o filme AQUI] O orçamento para o filme foi tão baixo que os efeitos visuais não alcançaram a expectativa do diretor. Restou para a equipe de edição compensar os erros em um único trailer para que o filme não fosse um desastre nas bilheterias. O resultado foi um “trailer fake” de um filme com um aspecto "chocante", totalmente diferente do original. No final das contas o filme acabou se tornando um Cult do gênero, independente do chamariz sensacionalista. No entanto, Kurt Neumann nunca chegou a ver o apogeu de sua obra, aderiu ao suicidou bem antes da estréia. Ele desacreditava em um resultado positivo.

Era comum aos filmes de terror da década de 50 e 60 ter um apelo mais ‘sensacionalista’ nos trailers induzindo o telespectador ao "horror" que o aguardava. Este tipo de apelo nasceu bem antes da invenção do cinema, surgiu nos freak shows dos circos e espetáculos de rua. E, além disso, era comum na época de ouro do cinema que o mesmo diretor de “E o vento levou...” dirigisse também um filme de horror como “Frankenstein”.

O problema é que tais diretores tinham uma formação teatral e não sabiam como dar um andamento mais prodigioso aos filmes. Alguns filmes acabavam sem o ritmo esperado. Mesmo assim, alguns diretores aprenderam com seus próprios passos o ritmo que aquele tipo de arte necessitava, criando personagens memoráveis. Eternizando atores como o inglês Boris Karloff e o húngaro Béla Lugosi, eterno Drácula de uma voz soturna e hipnótica! Porém foi somente na década de 70 que o cinema underground começou a se profissionalizar. Como o surgimento das “grindhouse”, salas especializadas para divulgação de certos filmes, surgia à era dos filmes exploitation.

Exploitation: “Um filme exploitation depende profundamente da propaganda sensacionalista e de um grande e mórbido exagero acerca dos temas descritos. Freqüentemente são de baixa qualidade em todos os sentidos (Schaefer 1999, pp. 42-43,95)”.

Embora não seja sempre assim, através das produções exploitation muitos diretores tiveram a oportunidade de fazer trabalhos mais sérios e/ou seus trabalhos nesta área foram tão singulares que se tornaram Cult. Cito alguns diretores que sobressaíram da “boca do lixo” e encontraram seu lugar ao sol. Listo alguns, diretor e filme, conforme a importância do meu ponto de vista; são eles Dario Argento (Suspiria,1977), Mario Bava (La ragazza che sapeva troppo, 1963), Tinto Brass (Capriccio, 1987), Roger Corman (The Masque of the Red Death,1964), Wes Craven (A Nightmare on Elm Street, 1984), Jess Franco (Vampyros Lesbos, 1970), Lucio Fulci (The Black Cat, 1981), Bruno Mattei (SS Girls, 1977), Pier Paolo Pasolini (Salò o le 120 giornate di Sodoma, 1975), George A. Romero (Day of the Dead, 1985 - Night of the Living Dead, 1968), Ed Wood (Plan 9 From Outer Space, 1956) dentre outros.

NA ATUALIDADE

Atualmente quem brincou com a idéia de Fake Trailers foram os diretores Quentin Tarantino e Robert Rodriguez no projeto “Grindhouse (2007)”. O projeto é uma homenagem aos filmes de horror da década de 1970. A ‘fita’ é divida em duas partes. A primeira com o filme “Planet Terror”, dirigido por Rodriguez, que mostra rebeldes lidando com zumbis enquanto enfrentam militares; a segunda ‘fita’, "Death Proof", dirigido por Tarantino, que mostra um dublê misógino que utiliza seu carro para matar suas vítimas.

A edição dos filmes e a arte final deram todo um ar nostálgico com cara de películas da década de 70. Em alguns momentos do filme “às vezes a fita enrosca no projetor” e entre os filmes, trailers de produções futuras são exibidos. Para abrilhantar a idéia, Tarantino e Rodriguez, convidaram alguns amigos diretores para participar da brincadeira cinematográfica. Ao todo foram produzidos 4 trailer, são eles "Thanksgiving" dirigido por Eli Roth (Cabin Fever); "Don't" dirigido por Edgar Wright (Todo Mundo Quase Morto); "Werewolf Women of the SS" dirigido por Rob Zombie (Rejeitados pelo Diabo) e "Machete" dirigido pelo próprio Robert Rodriguez. Esse último trailer foi tão bem aceito pelos fans do projeto Grindhouse que o diretor acabou dando vida à idéia, alongando em um filme. Mas particularmente falando, não gostei da versão longa-metragem, prefiro sátira na versão compacta. Mas recomendo com muitas honras que assistam esse interessante projeto dos diretores.

Com o surgimento da internet muitos Fake Trailers tomaram conta dos canais de vídeos. Algumas produções amadoras de muita criatividade, outras muitas, bem deploráveis. No entanto entre vários “perdigotos” amadores de pura bizarrice, há alguns filmakers (editores) que investem uma graninha para produzir algo de qualidade e criatividade. Fiz uma seleção dos trailers mais bacanas e aceitáveis. Um apanhado de tudo um pouco, porém, somente os mais aceitáveis em qualidade, criatividade e bom humor.

Esse artigo é a Primeira Parte desta postagem.

ZOMBINLADEN

Com a ascensão dos filmes de zumbi e o sucesso do seriado “The Walking Dead”, todo e qualquer acontecimento é motivo para um roteiro de filme zumbi. Neste caso um trailer do que poderia surgir. Atire a primeira pedra quem acredita que o Bin Laden realmente está morto. Pois bem, os produtores do fake trailer “Zombilanden” não acreditam! Vejam só!

MAIDEN OF DEATH

Este trabalho faz juízo ao estilo Grindhouse, sendo vencedor do festival de fake trailers do gênero. "Maiden Of Death" narra a história de uma vocalista que é assassinada, renascendo das profundezas para obter vingança ao estilo 'Heavy Metal'

Até a próximo postagem!

Quando as mãos falam em vingança [curta-metragem]

2011-10-24T20:54:00.011-02:00

Left Right
[Animação e Curta-metragem]

Em alguns momentos de ébrio vazio cheguei a cogitar probidade a “coisas” inanimadas de consciência. E nesse quesito as mãos sempre se destacaram despertando em minha imaginação várias idéias extraordinárias para contos. Como por exemplo, a mão esquerda odiar secretamente a direita devido a sua importância maior nas atividades. Não irei desvelar a natureza do conto que escrevi com esse fio de memória, pois ainda pretendo publicá-lo, mas deixarei a vocês um magnífico curta-metragem que superou as minhas expectativas. “Left Right”, um belo trabalho visual selecionado para o Locarno Film Festival.

Escrito e Dirigido: Tom Willems
Produzido por caviarfilms.com
Locarno Film Festival

O curta metragem com o final mais dramático da história!

2011-10-15T00:12:00.003-03:00

O FIM DRAMÁTICO?

[curta-metragem]

O VIMEO em minha opinião é o melhor canal de vídeos e trabalhos adjacentes da internet. Sempre encontro documentário e curtas bacanas. Recentemente encontrei esse breve curta com o título “Tune For Two”. Muito bacana, rola um leve sarcasmo, deixarei a vocês, leitores, os comentários adicionais!

Curta interativo sobre zumbis produzido por uma pizzaria [Cine B]

2011-10-14T23:22:00.000-03:00

DELIVER ME TO HELL
Zumbis, Pizza e Uma Escolha

[Cine B: Artigos]

Olá amigos leitores do Imemorável!

Apesar deste blog aparentar ser “Cult” conforme a definição de alguns leitores, reafirmo, este não é o meu intento. Prova disso é a seção Cine B que criei justamente para falar das veredas mais repugnantes da sétima arte e outras expressões. É claro, apesar de toda a bizarrice que já tive contato, tratarei apenas dos filmes considerados clássicos; dos assuntos interessantes e peculiares; e principalmente de tudo que for subversivo e incomum artisticamente. Vocês podem até observar que dentro da própria seção há subdivisões de postagens que vão além da característica “resenha de filmes”.

Pois bem, eu estava preparando dois artigos que trata justamente da onda “cool” do momento: zumbis. Realmente eu fico feliz ao ver que o tema está em voga. A meu ver os mortos-vivos são uma das criaturas mais interessantes do universo fantástico e que realmente rendem boas estórias. Um bom exemplo disso é a fantástica série “The Walking Dead”, baseada no HQs com o mesmo título, sendo a produção para TV mais premiada de 2010. [veja mais detalhes AQUI] Sem mencionar as dezenas de roteiros criativos que surgiram com a volta da temática. Mas é um fato, assim como “vampirismo” entrou em voga, sempre existirá alguém pronto para estragar a mitologia e transforma a figura medonha em algo performático em nome do consumismo. Um exemplo é a deplorável série “Crepúsculo”. E com a temática “mortos-vivos” não é diferente.

No entanto, por outro prisma, surgem as aceitações ao tema, e assim, novas e criativas abordagens. É justamente sobre isso que eu estava escrevendo antes de iniciar este artigo. Estava argumentando sobre a distinta peculiaridade do tema. Como ele pode tomar vários trajetos diferentes dentro do contexto animação, curta-metragem ou longa-metragem. Seja em uma abordagem mais dramática, humorística e até mesmo erótica. Mas agora, diante de minha recente descoberta, percebi que qualquer abordagem a ela não caberia em a nenhum dos dois artigos. Portanto dei uma pausa a eles e iniciei a este artigo que trata justamente de pizza, zumbis e interatividade.

Confira o site da rede de Pizzarias Hell - Hell Pizza

Pois bem, uma rede de pizzaria neozelandesa chamada Hell, isso mesmo, Hell. (imagem acima) Resolveu criar uma campanha sobre a agilidade da entrega de suas pizzas financiando um curta-metragem interativo. O curta narra à história de um entregador de pizza que recebe uma chamada em meio ao apocalipse de zumbis. Sem pestanejar, o sujeito vai entregar a pizza ao destinatário. Neste caso, destinatária! Uma loira de seios fartos que está rodeada de zumbis e "passando muita fome". Quem irá comer o que? Quem irá comer quem?

“Deliver Me To Hell” foi produzido pela produtora LittleSisterFilms e tem o mesmo estilo humorístico “Shaun of the Dead” (Todo Mundo Quase Morto/ 2010). Particularmente, em questão de filme humorístico tratando do tema mortos-vivos, recomendo “Zombieland (2009)” e “Fido (2006)” [leia o artigo AQUI].

A grande sacada do curta-metragem é a interatividade. Você não irá apenas assistir ao filme, pois durante as ações do personagem terá que tomar certas decisões que irá definir o objetivo da estória. A idéia é interessante, peculiar e engraçada. Principalmente se vocês visitarem o site da rede de pizzarias Hell. A principio achei que estava entrando em algum site de uma banda de metal extremo (risadas). Confiram o curta-metragem e bom divertimento!

Veja o video também através do canal do youtube HellPizzaNZ

LINKS

Hell Pizza - hellpizza.com/nz

LittleSisterFilms - www.littlesisterfilms.co.nz

RECOMENDO

Se você curtiu a idéia de filme interativo, não deixe de ler mais uma postagem aqui no Imemorável sobre o assunto: The Outbreak - o primeiro filme interativo da internet [leia AQUI]

Pôster também é Arte: Minimalismo Part II

2011-10-10T20:22:00.000-03:00

MINIMALISMO
Parte II

[Arte e Fotografia]

Olá amigos leitores do Imemorável!

Para quem acompanha o blog a longa data deve ter conhecimento da série de artigos: “Poster também é arte”. Comecei essa série devido ao meu interesse por mensagens subversivas e expressões variadas dentro de um tipo de arte considerada comum para a maioria das pessoas: O Poster. Retorno ao tema trazendo mais obras dessa criatividade imaginativa que são os pôsteres minimalistas. Devido à grande quantidade de pôsteres que tenho armazenado, terei que dividi-los em outras séries de artigos. Mas vamos lá!

O minimalismo é uma expressão artística típica do século XX, tem como característica principal o uso de poucos elementos gráficos e cores que expressem uma idéia objetiva. Na primeira parte desse artigo apresentei os trabalhos minimalistas do artista e design Ibraheem Youssef, inspirados nos filmes de Quentin Tarantino. [veja o artigo AQUI]. Apesar de o minimalismo ser uma arte típica do século XX, somente no inicio do século XXI ele demonstrou aspectos que refletem a nossa cultura atual. Vemos isso quando a cultura pop adota certos adornos para representar alguns conceitos da nova geração. Um bom exemplo são as diversas camisetas com arte minimalista.


O minimalismo nas camisetas

Na música. O minimalismo é uma clara força de expressão para o atual Indie Rock. Tanto no som, quanto no visual. Para quem não sabe o estilo teve seu início nos anos 80 com bandas como The Jesus and Mary Chain, The Smiths, Hüsker Dü, Joy Division, Pixies, Sonic Youth, Pavement dentre outras. Particularmente, prefiro o “Indie Rock” quando se chamava Rock Alternativo. As letras representavam uma geração pós-guerra, havia aquela certa esperança depressiva no ar. Tome nota das letras e a história da banda Joy Division. Ficará bem clara essa idéia.

Atualmente, aos meus olhos, algumas bandas têm um forte cheiro de classe média alta que não sabe o que fazer com a ociosidade e o fácil acesso a múltiplas informações. Nada contra aqueles que apreciam o estilo, apenas acho que o tal Indie Rock está muito distantes dos parâmetros dos progenitores do rock alternativo. Podem até certo limite, serem duas linhas paralelas, porém uma é muito distinta do outra.

Mas como podem ver o minimalismo é puramente atual.

O MINIMALISMO DE OLLY MOSS

Após essa breve introdução voltemos aos pôsteres!

Agora, amigo leitor, você pode até me perguntar: “Mas se o minimalismo é uma expressão artística tão contemporânea a ponto de ser reinventada dentro da cultura pop através internet. Por que não vejo pôsteres minimalistas quando vou ao cinema?”. Justamente, apesar de o minimalismo estar se tornado pop, ainda assim, como resultado de investimento ao produto comercializado, aos olhos do mercado, é uma expressão que ainda caminha a margem da publicidade usual.

Os pôsteres minimalistas geralmente são apresentados em festivais de cinema independente ou em premiações cujo objetivo principal não é vender a idéia do filme ao consumidor final. Mas sim, divulgar a produção artística dos profissionais envolvidos, direta ou indiretamente. Dentre os artistas em destaque está Olly Moss, o jovem designer de 23 anos que se tornou conhecido com a exibição de algumas artes, principalmente no festival itinerante dos EUA: O festival Alamo Drafhouse, cujo objetivo é exibir novos e velhos clássicos da sétima arte: [drafthouse.com/san_antonio].Além de outras formas de expressões culturais.

O trabalho mais recente do artista foi o pôster do filme alemão “Deixe Ela Entrar (Let the Right One In)” que os americanos tiveram o desprazer de fazer um remake. [veja o filme original AQUI]. Mas em quesito de arte, ilustra belamente a chamada deste artigo.

Outro trabalho baseado em filmes contemporâneos foi para a Revista Empire, o artista criou um pôster minimalista para o filme "Harry Potter e as Relíquias da Morte - Part 1". A arte em questão me fez lembrar o personagem de Elijah Wood em “Sin City (2005)”. Veja o pôster e várias outras criações minimalista de Olly Moss.

Harry Potter e as Relíquias da Morte : Parte 1 (2010)

Devil (2010)

Psicose (1960)

Sex and the City 2 (2010)

Sangue Negro (2010)

Rocky (1976)

O Exterminador do Futuro (1984)

Inglourious Basterds (2009)

Um Estranho no Ninho (1975)

A Noiva-Cadáver (2005)

Indiana Jones e o Templo da Perdição (1984)

Indiana Jones e a Última Cruzada (1989)

De volta para o futuro I (1985)

De volta para o futuro II (1989)

De volta para o futuro III (1990)

A Origem (2010)

Alien: O 8º Passageiro (1979)

A Morte do Demônio (1985)

Espero que tenham gostado, breve a Parte III
Continua...

As incríveis ilustrações de Joe Fenton [Arte e Fotografia]

2011-09-14T20:49:00.000-03:00

[Arte e Fotografia]

Por mais que exista ferramentas digitais ultra detalhistas, ainda assim, nada substitui a incrível capacidade de fazer tudo a mão. Recentemente de deparei com as ilustrações de Joe Fenton. O sujeito faz manualmente desenhos incríveis, utilizando-se apenas grafite e por fim, arte final, tinta acrílica. As ilustrações são de uma complexidade magnífica.

Fenton começou a estudar ilustrações técnica gráfite na Escola de Arte de Wimbledon e depois disso passou a trabalhar como concept designer e escultor para a indústria de filmes em empresas como a Disney e Miramax. Suas principais inspirações são as obras surrealistas de Hieronymus Bosch e Breugel. Além dos ilustradores infantis Arthur Rackham e Anderson Wayne.

Particularmente fiquei "timidamente envergonhado" observando o processo de criação do trabalho “Solitude (2010)”. Confesso, retornei a desenhar e estou me empenhando nas pinturas a óleo no habilidoso photoshop CS5, mas vejo que ilustrar meus contos é um hobbie perto das incríveis ilustrações que Fenton desenvolve! (risadas). Confira o vídeo abaixo que demonstra uma incrível habilidade em compor grandes murais no "Speed Painting" do processo de criação do “The Lullaby (2011)” e fique impressionado com o fantástico jogo de sombra e luz.

The Lullaby (2011)

Confira todos os detalhes gráficos deste trabalho AQUI

Solitude (2010)

Conheça mais sobre o artista

www.joefentonart.com

Ron Mueck [Arte e Fotografia]

2011-09-12T23:09:00.006-03:00

“A perfeição não é o suficiente”

[Arte e Fotografia]

Não sou muito ligado em arte moderna, mas ultimamente conheci alguns artistas que de certa forma atenuaram a minha percepção “rabugenta” com essa vertente. Um dos mais bacanas é o australiano Ron Mueck e suas esculturas extremamente realistas. O que mais impressiona é que Mark esculpe em diversos ângulos e proporções, utilizando vários processos de criação como: perspectivas cinematográficas, moldagem, replicação, aplicação de silicone, corantes, inserção de pêlos e criação de roupas em escala. Lembrando que cada uma dessas obras de arte - de acordo com a escala e o desafio criativo - levou meses para ser concluída! Realmente cada escultura vale o subtítulo desta postagem: “A perfeição não é o suficiente”.

Eu sou muito cativado pela nudez, não propriamente devido ao erotismo na arte (algo que aprecio muito), mas a nudez sem subjetividade lasciva. Ou seja, aquela nudez que por si só abandona “o arquétipo da Vênus de Milo” e adota as imperfeições humanas como aspecto estético do conceito belo. É justamente isso que me impressionou nas obras de Mueck. A nudez que traz consigo uma sensação de solidão, introspecção. É incrível observar como cada escultura parece ter sua “alma própria” e que de certa forma, após demorada contemplação, nos deixa desconfiados diante de uma estranha sensação de auto-consciência daquelas figuras estáticas. O mais interessante é como a ausência de pudor nos posiciona ao nível igualitário perante a existência e as leis naturais.

Ron Mueck foi responsável pelos efeitos visuais do filme "Labyrinth (1986)" um clássico-cult-fantasia estrelando pelo indiscutível David Bowie. Quem ainda não viu, vale conferir, ainda mais quem é fan do Bowie! Mas neste trabalho atual a escultura que mais me impressionou foi a da mulher e o bebê recém-nascido.

Enfim, deixo vocês com as magníficas esculturas de Ron Mueck.

Impressionante, não?

DE UM PASSEIO PELA GALERIA

Encontrei esse vídeo muito bacana. Um passeio na “Queensland - Gallery of Modern Art”. Veja o vídeo e conheça por outros ângulos a exposição do artista Ron Mueck.

Gostou? Veja outras esculturas:

- Ron Mueck's London studio

- Ron Mueck Life Castings

Plot Device

2011-09-03T13:22:00.002-03:00

PLOT DEVICE
“Muito além da publicidade, um curta criativo e divertido”
[Animações e Curta-Metragem]

Olá amigos leitores do Imemorável!

Trago a vocês ao som de ‘Echo & the Bunnymen’ um curta super bacana que recentemente tive contato: “Plot Device” (enredo). Na verdade não é propriamente um curta-metragem com a finalidades de concorrer a festivais ou categorias especificamos em mostras de cinema fantástico. Esse trabalho tem o propósito de divulgar o vídeo promocional do software de edição Magic Bullet Suite 11, da empresa Red Giant. No entanto o trabalho é tão impecável que passa despercebida a finalidade comercial. Em questões de publicidade é um dos trabalhos mais criativos que já vi, ressalta a finalidade do software sem deixar implícito, sem dizer “isso transformará seus sonhos em realidade”, algo que de fato abomino na publicidade.

Enredo do curta

O curta-metragem narra às aventuras de Ben, um geek que parece gastar horas diante do computador. A vida do garoto muda radicalmente quando ele efetua uma compra on-line de um estranho aparato chamado Plot Device. Este estranho objeto é um aparato com um botão na base, quando acionado é capaz de conduzir Ben a realidades cinematográficas diferentes sem que ele deixe o jardim de sua casa. Assim, o garoto viaja para romances água-com-açúcar, filmes de ação, zumbis, filmes em preto e branco e até uma invasão extraterrestre. Fiquem atentos após os créditos finais!

Bom divertimento.

Behind the Scenes:

Veja também o making of de toda a produção de Plot Device: [click AQUI]

Red Giant no Vimeo [click AQUI]

Sites

> Magic Bullet Suite 11

> Red Giant Software

Depois do Fim do Mundo, novas animações!

2011-09-02T21:18:00.000-03:00

Produção brasileira terá continuação com a sua ajuda!!

Para quem acompanha o Imemorável com certeza viu a fantástica animação "Depois do Fim do Mundo" dos brasileiros da Pyx Motion Design. [Veja a postagem AQUI] Agora eles irão dar continuidade a animação, porém precisam de doações para que o projeto aconteça.

Em contato com o Matheus de Moura Alves, um dos idealizadores, ele explicou todo projeto:

"Depois do fim do Mundo é uma web série, uma animação que satiriza um universo de filmes, séries, desenhos e jogos. Recentemente o primeiro capítulo foi divulgado em diversos sites e blogs. Obteve uma ótimo aceitação, além de um feedback bem positivo. Isto acima de tudo nos motivou a continuar a história. Imergir mais no universo apresentado mostrando outras situações e personagens."

Vamos lá amigos. Vamos apoiar uma criação totalmente brasileira!

> Click aqui para saber mais e ver a animação <

The Maestro [Imagem & Som]

2011-08-29T12:17:00.003-03:00

[Imagem & Som]

Olá amigos e leitores do Imemorável

Estou começando aqui uma nova seção do blog intitulado “Imagem & Som”. Na verdade esta idéia já existe desde que iniciei o Imemorável em 2008. Porém me faltava tempo útil, criativo e culturalmente ocioso para aplicar tal idéia. Na verdade ainda me falta [risadas], mas como as postagens que faço é um hobbie cultural que alimenta os meus dias (além de cultivar amizades e trocas culturais de grande valor) é impossível não seguir adiante.

Pois bem, apresento a vocês um interessante “short film”, como diz os yankees, dirigido Adam Anthony intitulado “The Maestro”. O curta-metragem foi filmado com a luz disponível, exceto algumas capturas feitas em Chroma Key (o tal fundo verde) filmados em Sydney na Austrália. A maioria do trabalho foi filmado em tempo real. Para o efeito de lapso do tempo foi utilizado o Chroma Key para interpolar Maestro e o cenário. Ao cenário foi aplicado uma nova sincrônia de tempo em contraste com a composição musical que fica ao encardo de Edward Copestick.

Assistindo esse curta comecei a pensar. Quando nos é tomado “tudo o que nos pertence por direito”, só nos resta à genialidade de nossa loucura, aquela força íntima que nos define. Lembrei de algo que minha avó dizia, assim como alguns professores(as) que tive: “Podem tomar tudo de nós, menos nosso conhecimento, aquilo que nos define como indivíduos únicos”. Claro que minha avó, nascida no sertão dos confins do agreste não utilizou tais palavras, mas são assim que eles surgem quando imagino que nada do que temos é nosso por direito. A posse é uma ilusão. E não estou me referindo nenhuma concepção religiosa dessa idéia. Mas sim ao fato de que se as pernas do Estado fraquejar tenham certeza que o povo “perderá os seus direitos constituídos”. Se é que isso já não está acontecendo...

THE MAESTRO

Director - Adam Anthony
Compositor - Edward Copestick
Cinematographer - Tony Gardiner
Colourist - Trish Cahill

(recomendo que click no icone do lado direito do icone HD para ver em tela cheia.)

Detalhes Técnicos

camera: 5d MKII
Lens Package: all L series 24mm t1.4, 50mm t1.2,
16-35mm t2.8, 24-70mm t2.8, 70-200mm t2.8
ISO range: 1600-3200

Os produtores do curta-metragem desenvolveram um site muito bacana chamado "Edit Suite Smashcut". Toscamente traduzindo quer dizer "Edite o seu curta-metragem". A idéia é simples e muito bacana. Entrando no site há quatro curtas, dentre os quais o "The Maestro", com algumas cenas "pré-cortadas". A brincadeira é você montar a sua própria seqüência, colocar a sua trilha sonora e curtir o resultado final.

Edit Suite Smashcut - http://www.smashcut.com/editsuite

RECOMENDO

Se você curtiu essa postagem da seção "Imagem & Som", recomendo que veja outro post do vídeo clipe "Iron" com as incríveis fotografias em movimento de Yoann Lemoine [veja AQUI]

The Good Son (O Anjo Malvado, 1993) [7ª Arte]

2011-08-27T03:30:00.006-03:00

The Good Son
“O Anjo Malvado”
(1993)

[Sétima Arte]

O tempo é uma coisa engraçada. Quanto mais cogito sobre o passado, quanto mais recordo os sabores e as sensações de épocas distantes, caio sempre em um “mantra reflexivo”, tentando contextualizar como eram as tais sensações que eu sentira. E se elas ainda se encaixam no meu estado atual de concepção. Foi esse estímulo que fez com que eu deliberasse alguns pensamentos sobre o filme “The Good Son (1993)”, aqui no Brasil conhecido como “O Anjo Malvado”.

“The Good Son” é um bom filme. Só não o veja como uma obra-prima do gênero “suspense dramático” como o sombrio “The Omen (A Profecia, 1976)” do diretor Richard Donner. Que, aliás, traz Gregory Peck interpretando pai do anticristo, um garotinho chamado Damien. Sem dúvida uma das crianças com a expressão mais demoníacas que já vi.

Damien

Damien com certeza deixa essa safra de “teenagers do mal”, como a Samara Morgan (O Chamado), parecendo mais um bando de adolescente sem causa. Portanto, “O Anjo Malvado” do diretor Joseph Ruben não é nenhum filho de Lúcifer como a sementinha do mal de Richard Donner. Mas a obra tem uma boa história que não fraqueja durante a narrativa. Sem deixar de lado a oportunidade de presenciar dois atores em ascensão: Elijah Wood e Macaulay Culkin.

O FILME

O filme tem um inicio dramático, Mark Evans (Elijah Wood), presencia o falecimento da sua mãe já adoecida há algum tempo. Seu pai decide deixá-lo na casa de sua cunhada Susan Evans para que possa cuidar dos negócios, prometendo retornar em três semanas. Mark fica na companhia de seus primos Connie Evans e Henry Evans (Macaulay Culkin).

Elijah Wood e Macaulay Culkin

Henry aparenta ser um garoto comum como todos os outros de sua idade. Mas oculto em seu jeito brincalhão e sorriso angelical, se esconde um segredo tenebroso e um maléfico senso de humor. Com a progressão do filme Mark percebe certas silhuetas da natureza Henry. Como a perversidade para com a vida e o prazer e hábil retórica ao falar sobre a morte. Fica claro para Mark que a amizade entre ambos é apenas um jogo de gato e rato. Quando mais ele nutre afeição por sua ‘nova família’, mais se eleva o desprezo pelo próximo aos olhos do primo.

Devido à morte de sua mãe, Mark adota as feições da tia Susan como uma referencia materna. A partir deste ponto os fatos ocultos são revelados, Henry já não esconde as suas intenções macabras. Agora Mark terá que lidar com um homicida e o seu bel prazer em vitimar todos a sua volta, inclusive a própria mãe.

Apesar de não ser um Best-seller da sétima arte o filme não deixa a desejar. Sempre há ápices de suspense e tensão no jogo de amizade entre Mark e Henry. Porém é no final do filme que o título original - The Good Son - faz juízo a obra. Com certeza maior crítica que se cabe em relação ao filme seja a relevante superficialidade com que se retrata a mente de um psicopata. Pois de fato uma criança não tem a percepção, a sagacidade de um planejamento meticuloso como um criminoso, como um adulto teria. Mas o diretor Joseph Ruben soube trabalhar com o personagem de Macaulay Culkin. Os estereótipos foram claramente mantidos, embora com a sutileza necessária para não sobrecarregar de valores emocionais que são adquiridos com uma maturação que só o tempo dá. Sem transformar a obra em si em um chato “manifesto clichê sobre crianças más”.

Elijah Wood e Macaulay Culkin
Coincidências e tristes diferenças

Como eu havia dito no inicio do artigo “O tempo é uma coisa engraçada”. Quando assisti a esse filme pela primeira vez fiquei muito apreensivo sobre a natureza maléfica do personagem de Macaulay Culkin. E como toda criança em tenra idade, me coloquei na situação do personagem de Elijah Wood. Aliás, Elijah tinha a mesma idade que eu, 12 anos, quando atuou em “The Good Son”.

Na época o filme havia sido um fracasso de bilheteria e crítica, justamente porque a sociedade não encarou muito bem a idéia do garotinho doce de “Esqueceram de Mim (1990)” ser o garoto malvado ao lado do bonzinho desconhecido, Elijah Wood. Mas ambos, Macaulay e Elijah, fizeram ótimas atuações. O filme não é uma obra-prima, mas é um bom filme. No entanto, observando-os e levando em considerações o presente, considero “O Anjo Malvado” a teia do destino que teceu o percurso dos jovens atores.

Note como é interessante. Macaulay Culkin havia se tornado da noite para o dia o milionário mais jovem da história do cinema com o recorde de bilheteria “Esqueceram de Mim (1990)”. Nascia então o queridinho da América. Sua imagem de garoto prodígio brilhou ainda mais tendo como melhor amigo o astro pop, em seu ápice, Michael Jackson. Macaulay marcou a infância de muitas crianças sendo o protagonista do clipe “Black or White”. [Veja clicando AQUI] Algo que de certa forma foi lamentável, pois jamais deram o prestígio e o espaço necessário para que a criança Macaulay pudesse desenvolver a sua própria personalidade e por conseqüência a multiplicidade de atributos que concernem um ator.

Carregado de estereótipos Culkin não cresceu muito como ator. Todos os papéis a ele oferecidos carregavam sempre a mesma roupagem do personagem Kevin McCallister. Sendo um tiro no pé, o lamentável “Riquinho (Richie Rich, 1994)”, que mais parece um reflexo medíocre de “Esqueceram de Mim”. Após isso Macaulay desapareceu dos grandes holofotes de Hollywood, retornando sombriamente em 2005, atuando em alguns filmes undergrounds e fazendo pontas em séries de humor. Henry Evans foi o último personagem sério que realmente tivera a liberdade de fazer...

“The Adventures of Huck Finn"

Elijah Wood iniciou modesto, sem muitas luzes. Sua carreira começou com oito anos em uma pequena ponta no filme “De Volta para o Futuro II (1989)”. Quem não se lembra da cena onde Marty McFly (Michael J. Fox) reconhece o som de uma clássica máquina de fliperama. Logo ao fundo da lanchonete estão dois garotinhos tentando utilizar aquela velha máquina de jogos dos anos 80. Pois bem, Elijah Wood, roupa laranja, teve o seu momento dizendo a seguinte fala “tem que usar as mãos” [veja a cena AQUI]. Foi uma pequena ponta, mas que fez com que ele fosse notado e novos papeis surgissem.

Depois da memorável atuação em “O Anjo malvado” Elijah ganhou o papel principal em “The Adventures of Huck Finn (em português, As Aventuras de Huck Finn, 1993)” baseado na obra de Mark Twain. Neste filme já vemos a “essência de Frodo Baggins”... [risadas].

Desde então sua carreira só ascendeu a papeis mais elaborados e concisos, principalmente na fase adulta, sendo mundialmente conhecido e reconhecido pela saga “O Senhor dos Anéis”. Confesso que esse sucesso me causou certo receio, mas após o grande estouro na carreira o ator soube administrar o sucesso, soube escolher personagens sólidos. Como é o caso personagem Kevin, um frio serial killer que se alimenta de suas vítimas em “Sin City (2005)”.

O novo projeto de Elijah Wood

Porém, seu mais recente sucesso (e meu vício) é a série de humor chamada “Wilfred (2011)”. A série narra de maneira muito cômica à estória de Ryan (Elijah Wood) um suicida em potencial que vê o cachorro de sua vizinha, Wilfred (Jason Gann), como se ele fosse um homem vestindo uma fantasia de cão. Sendo assim, ele dialoga com o bicho, tornando o relacionamento entre os dois totalmente bizarro. Sarcasmo, humor negro e outras maluquices compõem Wilfred que funciona como uma espécie de “Alter-Ego” de Ryan. Recomendo!

Considerações finais...

O mais engraçado é analisar a tênue e estranha coincidência entre ambos os atores. Elijah Wood é filho de pais separados, já Macaulay Culkin viu a separação de seus pais após a intensa briga para ver quem iria “administrar” a fortuna de 17 milhões de dólares do filho. Macaulay após muita luta ganhou judicialmente o direito de administrar a própria fortuna. Afinal, comicamente o título “Esqueceram de Mim” delineou os trajetos de sua queda. Que é uma pena, tanto Elijah, quando Culkin são potencialmente carismáticos. No entanto tiveram jornadas diferentes.

Fatidicamente o filme “O Anjo Malvado” demonstra nas entrelinhas e com muito subjetivamente essa estranha coincidência da vida pessoal de ambos os atores. Provavelmente, bem subjetivamente, o filme seja um sutil prisma de nossa sociedade. Onde muitas famílias dão tudo aos seus filhos e por assim fazerem, deixam a escolha sobre a felicidade ou o fracasso ao destino dos mesmos. Sendo senhores de suas próprias escolhas e concepções. Sem ao menos direcioná-los ou dar o primordial: A verdadeira demonstração de carinho e afeto. Dessa forma muitas crianças crescem sem uma figura paterna ou materna e isso com certeza se refletem em suas relações pessoais e sociais, transformando-os em pessoas insensíveis ou sensíveis demais. Procurando no outro e nunca encontrando a figura patriarcal que jamais se fez presente. O que é triste e desastroso psicológicamente.

Bom filme a todos!

TRAILER

O Pálido Ponto Azul - Carl Sagan

2011-08-17T22:57:00.000-03:00

[Cultura e Pensamento Crítico]

Carl Sagan (1936 - 1996) foi um cientista, astrônomo e filósofo que humanizou a ciência em uma plenitude mais próxima aos olhos da sociedade. Ele se tornou mundialmente conhecido devido ao seriado “Cosmos” exibido pela BBC na década 80 e produzido em parceria com a sua esposa, a escritora Ann Druyan.

Sagan humanizou a ciência através de suas percepções e sentimentos filosóficos em relação à beleza da vida em si, sem artifícios supersticiosos. Demonstrou que viver é uma questão de percepção. Quanto mais você conhece a natureza a sua volta, maior será o seu respeito e cuidado para com ela, maior será a compreensão de si mesmo.

Enfim, essa postagem não é para ser de muitas palavras. Apresento a vocês um belo vídeo com a narrativa de Carl Sagan: “O Pálido Ponto Azul”. Extraído do livro com o mesmo título publicado em 1994. Em um dia pensativo como hoje e toda vez que vejo esse vídeo, lamento a sociedade em que vivemos. Talvez a mais insensível, repleta de sentimentos egoístas e desejos lúdicos, abraçadas em uma felicidade abstrata rumo a solidão entre a multiplicação de multidões ano após ano...

O autor recomenda...

Já que estamos no tema “reflexão sobre a existência humana” recomendo um blog muito bacana escrito por duas amigas, Yavanna e Kádria. O blog tem um nome bem singular que reflete a natureza de suas postagens: “Reinventando-se”. A finalidade dos escritos transpõe meros cultivos a auto-estima. São reflexões sobre a natureza humana, uma analise crítica expressa através de citações, crônicas e artigos. Ou seja, como nos portamos existencialmente em nossa sociedade. Porém, sobretudo, uma reflexão, que mesmo diante dos moldes que nos são impostos temos que nos reinventar para buscar o cultivo a vida. Algo que consiste nas sutis peças da existência: o ser, criar e partilhar. Dentre várias postagens interessantes, recomendo uma postagem em especial com um vídeo sobre analise crítica do escritor Augusto Cury sobre a geração mais triste de todos os tempos [click aqui].

Reinventando-se - reinventesse.blogspot.com

GENESIS, Dir. Nacho Cerdá [Cine B]

2011-08-13T14:03:00.002-03:00

GENESIS
Direção de Nacho Cerdá
[Cine B]

Nacho Cerdá é um diretor espanhol conhecido por seus curtas de natureza polêmica. Ele não faz invocação ao banal ou a violência gratuita, tão pouco é reconhecido nos holofotes de hollywood. No entanto, seus trabalhos são únicos, premiados em diversos circuitos internacionais de cinema fantástico. Justamente devido ao modo como narra as suas estórias. Sempre acentuadas por uma perspectiva crua e poética sobre as variações da natureza humana em seu estado mais dantesco e solitário.

NACHO CERDÁ

Isso fica bem explicito no seu afamado curta “Aftermath” produzido em 1994. Obra máxima que narra o final da carne humana diante de uma mente repleta de desejos pérfidos, lascivos e doentios. Este curta, assim como “Genesis” e “The Awakening” (seu primeiro trabalho) fazem parte do DVD lançado em 2007, intitulado “La Trilogia de La Muerte”.

Meus comentários sobre esse trabalho ficaram para próxima postagem.

O ponto crucial das obras de Nacho Cerdá é despertar a mentalidade humana de sua banalidade usual. Talvez por essa razão, assim como seus demais curtas, “Aftermath” é uma obra polêmica. Justamente por aflorar os nossos sentimentos de repulsa, os quais já haviam domesticado há muito tempo, utilizando todo o subterfúgio dos telejornais, degustando a sua violência trivial entre o almoço e o jantar. De certa forma, nós, a sociedade civilizada, estamos habituados com a violência, ela não nos parece tão vil quando vista sob a perspectiva de nossos lares, nossa íntima segurança. No mesmo decline caminha nossos sentimentos. Estamos cada vez mais frígidos a expressá-los e cada vez mais impassíveis de percebê-lo no outro. Somos auto-suficientes em nosso egoísmo e rígidos em nossa hipocrisia moral. Cerdá causa asco em alguns e reflexão em outros, justamente devido à sinceridade explicita e amoral. Surrealismo poético, fotografia expressiva, ausência de diálogos, suspense e solidão. Essas são algumas pitadas que encontrarás no curta de Nacho Cerdá, assim como no poético GENESIS.

GENESIS - A HISTÓRIA

Genesis narra a história de um artista plástico que perde a sua esposa em um terrível acidente de carro. Deste então carrega consigo essa amarga solidão em seu peito, remoendo essa fria ausência do querer. Em um ímpeto de vazio e desapego a vida, decide esculpir a sua Vênus de Milo. Seus dias são possuídos por um trabalho exaustivo e quase interminável. Sua dedicação consiste em esculpir as feições métricas de sua falecida e amada esposa.

Eis que surge a narrativa fotográfica do curta, delineando cada ponto, cada curva e silhueta. Demonstrando a sensibilidade da alma do artista que, por um segundo, domina a essência divina, transformando a matéria bruta em beleza visual. Dia após dia a estátua se torna mais polida, mais próxima a idealização do artista. Por fim o trabalho chega aos seus momentos finais. Pequenos retoques são um mero afago aos sentimentos ou apenas uma recordação amarga daquilo que não se pode ter.

Prestes a concluir a sua obra, o artista observa fios de sangue delineando os traços femininos da estátua. São pequenas fissuras que se formaram no corpo de argila e que com o passar das horas parecem mais vivos. Com o passar do tempo as fissuras vão aumentando e revelando uma camada avermelhada de carne e músculos. Em contraponto o artista vai seguindo o processo inverso. Observa com o transcorrer do tempo que o seu corpo é tomado por substâncias escuras, rígidas.

Termino aqui o que é necessário saber. O curta não tem nenhuma linha de diálogo, tudo se revela através interpretações e simbolismo. O diretor soube muito bem narrar através de closes, pequenos planos e oscilação entre sombra e luz todo o aspecto da história. Nenhuma sinopse expressará com exatidão aquilo que os sentidos pode captar com a contemplação. Apenas recomendo que assista mais de uma vez para observar os pequenos detalhes que passam despercebidos na primeira observação. Não é atoa que Genesis foi tão premiado...

Título Original: Genesis
Direção: Nacho Cerdá
Atores: Pep Tosar, Trae Houlihan
Ano: 1998
Origem: Espanha
Duração: 30 min.
Idioma: Espanhol
Formato: AVI
Tamanho: 371 MB
Servidor: Megaupload

OBS: Download indisponível no momento. Assista o curta através do youtube.

Parte Um - Parte Dois - Parte Três

Conheça o blog do diretor Nacho Cerdá - www.nachocerda.blogspot.com

Nada se cria, tudo se copia

2011-08-05T13:13:00.001-03:00

Everything is a Remix
[curta-metragem, Documentário]

"Nada se cria, tudo se transforma". Essa simples frase não é somente base para as reflexões da antiga alquimia, mas também faz parte de todas as transformações humanas, seja no campo das artes ou da engenharia. Diante desta 'sacada' o filmmaker Kirby Ferguson começou a produzir a série de "curta-documentários" intitulada "Everything is a remix" (Tudo é remix). A idéia central é demonstrar que tudo o que apreciamos ou consideramos como original, não passa de uma cópia ou uma adequação de algo que já existia.

A SACADA

Ao contrário do Brasil, lá na terra dos Yankees as TV’s abertas estão sempre à procura de produções independentes. Ou seja, se você tem um projeto, começou a desenvolvê-lo e o resultado final demonstra criatividade e inovação, logo você ganha um espaço para testá-lo. O conhecido “episodio piloto”. Foi exatamente o que aconteceu com Kirby Ferguson. O cara já era produtor, filmmaker e roteirista independente. Então teve a sacada de expor através de pequenos vídeos como o glamour de Hollywood, os grandes clássicos da musica não passam de um Remix. A primeira parte foi produzida aos próprios punhos. A continuidade do projeto veio através de doações que o mesmo solicita sempre no final de cada vídeo.

OS VIDEOS

A primeira parte, “The song Remains the Same”, aborda a origem da palavra "Remix", além de fazer uma contextualização sobre as raízes do rock, enfocando as diferenças claras entre "covers" e "cópias". O mais interessante é a revelação de alguns pontos sobre bandas que consideramos inovadoras, mas tiveram suas origens não divulgadas. Como é o caso, para a minha surpresa, do Led Zeppelin.

Já na segunda parte, “Remix Inc.”, Ferguson adentra no universo da sétima arte, demostra através de takes como tudo o que assistimos é regravação ou adaptação de filmes que já existem no mercado. E por fim, a terceira parte, "The Elements of Creativity", aborda a criatividade em si em toda a história da humanidade.

Part 1 - The Song Remains the Same

Part 2 - Remix Inc.

ASSISTA

Eu assisti aos vídeos através do VIMEO, particularmente acho o youtube um lixo. Além de ter muitos vídeos ruins no quesito conteúdo e péssimos em questão de resolução, ainda encontramos sinais vitais da indústria capitalista. Ou seja, sempre vedam algum vídeo por censura, mas principalmente por determinados compositores e suas gravadoras “não terem a liberação” para reprodução do áudio aqui no Brasil. Portanto, apenas a 1ª e 2ª Partes estão disponíveis aqui, foram as únicas que encontrei legendados e sem cortes no áudio.

Mas você pode assistir todos os vídeos, inclusive a 3ª parte, através do site oficial Everything is a Remix. No site você encontrará todos os vídeos para download em alta resolução. Se você tiver um programinha de vídeo (player) chamado BSPlayer, facilitará a sua vida, pois ele automaticamente faz a busca das legendas. Se não tiver, cada vídeo tem uma versão com legenda adicionada, basta observar o local indicado. Para acessá-los [click aqui].

Fonte: www.everythingisaremix.info

The Cat With Hands

2011-07-30T02:45:00.005-03:00

[Animação e Curta-metragem]
“O estranho universo de Robert Morgan”

Sempre gostei de animais, principalmente gatos. Os felinos têm uma natureza singular, um temperamento próprio. Não basta apenas alimentá-los, deve-se conhecê-los e compreender o seu temperamento, respeitá-los. Só assim ganhará admiração e o carinho desses animais. Sei que muitos não têm tanto apreço devido às estórias que permeiam a sua natureza misteriosa. No entanto muitas dessas crendices têm origem no passado. Um bom exemplo é a veemente afirmação de que todos os “gatos pretos dão azar”. Esse boato surgiu na Inglaterra no século XVII quando um repentino aumento da população de felídeos desencadeou uma perseguição em massa aos animais. A loucura teve seu ápice de acefalia quando os animais foram associados à personificação do diabo. Sendo assim, todos que tivessem um gato preto em sua residência, por conseqüência, eram considerados bruxos ou aliados das forças do mal. A matança se espalhou por toda Europa e só diminuiu a partir de 1630 mediante o decreto do rei Luís 13 que proibiu tal prática.

Tanto na história, quanto na literatura, os gatos sempre nutriram uma certa imaginação sombria sobre as suas personificações. No entanto, de todos os contos que li, filmes que assisti e lendas que ouvi, nada chegou próximo a sombria criatura do curta-metragem “The Cat With Hands” de autoria do soturno Robert Morgan.

ROBERT MORGAN

Robert foi criado na cidade de Yateley, Hampshire. Dizem as lendas que na tenra idade, aos três anos, ele desenvolveu uma paixão pelo cinema quando seu tio lhe mostrou “Fiend Without A Face” (1958)” em um projetor de 8mm. Desde então tornou-se uma criança estranha, obcecada com monstros, tubarões e insetos. Essa inspiração cultivou a sua vida durante muito tempo, levando-o na fase adulta a se formar em 1997 no Surrey Arte instituto de animação e design.

Na mesma época Robert já apresentava o seu primeiro filme, o sombrio "The man in the lower-left hand corner of the photograph". O trabalho lhe rendeu cinco prêmios internacionais e várias vendas baratos para as emissoras. Mas foi o curta-metragem “The Cat With Hands” produzido em 2001 que lhe trouxe mais repercussão nos festivais de cinema. O curta narra, ao estilo dos velhos contos, a estória de um gato muito estranho que vive dentro de um poço. Em uma entrevista o diretor disse que a estória foi inspirada em um pesadelo que sua irmã Eleanor teve quando criança.

Graças à internet temos acesso a essas coisas bacanas fora do senso-comum. Fiz contato com Robert antes de expor o seu trabalho, realmente o sujeito tem umas idéias criativamente insanas e já está produzindo novos trabalhos além do campo da animação.

Agora deixo vocês com o curta “The Cat With Hands”. Recomendo que entrem no site e vejam a animação “The Separation”, estória dantesca de dois irmãos gêmeos que são separados cirurgicamente.

Fonte: Robert Morgan Films.com

DUELO DE GIGANTES

2011-07-26T16:56:00.003-03:00

Duelo de Gigantes

[Cultura e Entretenimento]

Cinco grandes mestres da direção,
Em cenas clássicas do cinema

Editar não é uma tarefa nada fácil. Assim como na fotografia, editar requer percepção, criatividade e um certo “feeling” para que tudo esteja posicionado no segundo exato e realmente expresse aquilo que deve ser dito com imagens precisas. Atualmente ‘quase todo’ mundo é um editor, seja com programas caseiros como “Windows movie maker” ou outros mais arrojados que fazem tudo automaticamente. Entretanto, pessoalmente falando, considero um bom editor aquele que não usa recursos prontos, mas sim, quase artisticamente, construa todo o contexto visual por si só. Uma boa edição, por mais simples que pareça, requer bom-senso, criatividade e muitas horas de trabalho.

Apreciando bons trabalhos sobre cinema, fotografia e afins encontrei dois vídeos muito interessantes. Tais vídeos são uma grandiosa homenagem a cinco mestres do cinema: Stanley Kubrick, Martin Scorsese, Quentin Tarantinoe Joel and Ethan Coen. Os vídeos são uma espécie “duelo” visual sobre as perspectivas de cada diretor, repleto de cenas incríveis, ângulos e narrativas inesquecíveis. O autor dessas “brincadeiras” é editor Leandro Copperfield, ao qual, deixo meus parabéns pelo resultado final. Para que vocês tenham uma noção do trabalho árduo que é editar, deixo as palavras do próprio autor: “Foram 25 dias de observação de 34 filmes, selecionados mais de 500 cenas, e uma edição de um trabalho árduo”.

Agora vamos aos grandes clássicos do cinema na visão de cinco grandes mestres: Stanley Kubrick, Martin Scorsese, Quentin Tarantino, Joel e Ethan Coen

Kubrick vs Scorsese

Filmes Utilizados

Direção Stanley Kubrick

Day of the Fight (1951), Fear and Desire (1953), Killer's Kiss (1955), The Killing (1956), Paths of Glory (1957), Spartacus (1960), Lolita (1962), Dr. Strangelove (1964), 2001: A Space Odyssey (1968), A Clockwork Orange (1971), Barry Lyndon (1975), The Shining (1980), Full Metal Jacket (1987), Eyes Wide Shut (1999)

Direção Martin Scorsese

Mean Streets (1973), Alice Doesn't Live Here Anymore (1974), Taxi Driver (1976), New York, New York (1977), Raging Bull (1980), The King of Comedy (1982), After Hours (1985), The Color of Money (1986), The Last Temptation of Christ (1988), Goodfellas (1990), Cape Fear (1991), The Age of Innocence (1993), Casino (1995), Kundun (1997), Bringing Out the Dead (1999), Gangs of New York (2002), The Aviator (2004), The Departed (2006), Shutter Island (2010)

Tarantino vs Coen Brothers

Filmes Utilizados

Direção Joel and Ethan Coen:

Blood Simple (1984), Raising Arizona (1987), Miller's Crossing (1990), Barton Fink (1991), Fargo (1996), The Big Lebowski (1998), O Brother, Where Art Thou? (2000), No Country for Old Men (2007), Burn After Reading (2008), A Serious Man (2009)

Direção de Quentin Tarantino:

Reservoir Dogs (1992), Pulp Fiction (1994), Jackie Brown (1997), Kill Bill: Vol. 1 (2003), Kill Bill: Vol. 2 (2004), Death Proof (2007), Inglourious Basterds (2009)

Fonte: vimeo.com/videotape

RECOMENDO

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As cartas da Vida e da Morte

2011-07-22T12:58:00.000-03:00

Kornel Ravadits e as Cartas da Vida e da Morte

[Arte e Fotografia]

Algo que sempre me intrigou desde criança foram os significados ocultos contidos nas formas que desvelam certas imagens sacras ou não, ou seja, o seu simbolismo. E por muito tempo elas continuaram sendo um mistério. Até que em minha adolescência tive contato com a literatura fantástica e esta me levou a outras veredas como a ficção, o surrealismo e os símbolos ocultos de certas culturas antigas. Foi uma grande surpresa e prazer ao notar semelhanças e diferenças nos simbolismos dos povos mesopotâmios, masdeus, egípcios, hebraicos, gregos, celtas e budistas. Mas foram com as leituras ditas como ocultas, como a beleza filosófica dos escritos de Eliphas Lévi ou as sandices de alguns escritores do período de Flamel* que, de certa forma, me fizeram admirar o simbolismo que “os homens e os deuses” criaram para guardar entre si o mistério de suas crenças.

UM POUCO DE HISTÓRIA...

Essa breve introdução pessoal não tem objetivo de exaltar os “conhecimentos” (leigos) deste que vos fala, mas sim, como cheguei ao encontro das artes de Kornel Ravadits. No mesmo período da narrativa anterior, por volta de 1998, tive contato com o Tarô de Marselha. E apesar de seus múltiplos significados contidos em cada carta, imaginava como seria mais interessante se tais imagens tivessem traços mais detalhados.

Recentemente retomei os rascunhos certos projetos antigos. Pois já faz uns três anos que tenho em mente a idéia de fazer algumas composições fotográficas mesclando surrealismo, simbolismo e erotismo. Porém, não o erotismo baseado na leiga convenção social sobre o termo, mas sim, algo voltado à raiz da termologia “Eros”. Enfim, muitas cartas do tarô sempre me trouxeram grande apego reflexivo sobre “a idéia do destino dos homens ao deleite dos deuses”, principalmente a carta “O enforcado”. Meu objetivo fotográfico é transfigurar todos esses simbolismos, só não irei detalhar como, pois estarei desvelando a composição do projeto. Mas comecei a estudar os símbolos contidos nos traços de tais cartas, contando com a ajuda de pessoas mais entendidas, inclusive uma amiga, que ao acaso do destino, tem as cartas e um certo conhecimento, deixando com que eu fizesse longas indagações e questionamentos.

KORNEL RAVADITS

Foi então que comecei a pesquisar certos artistas gráficos, que por ventura, seus trabalhos sejam exclusivo ao simbolismo. Por conseqüência tive contado com um interessantíssimo trabalho intitulado "Card Of Life And Death" do artista gráfico Kornel Ravadits. Ele retrata em seus traços não apenas a dualidade da vida e da morte, mas de uma forma macabra, a degradação do ser. E não apenas uma degradação voltada à decomposição corpórea (concepção pessoal), mas destruição do individuo através de suas luxúrias.

Kornel Ravadits vive atualmente em Budapeste na Hungria e trabalha com arte gráfica deste 1995. Graduado como artista gráfico na Universidade de Belas Artes, trabalha como freelancer nas áreas de cinema e design para jogos e ainda leciona design gráfico, ilustração, pintura fosca e modelagem 3D. No entanto o seu trabalho principal são para editora Ballistic books.

Depois de ver "Card Of Life And Death", imagino como seriam as ilustrações das cartas de tarô nas mãos de Ravadits. Fica a dica de um grande artista e a razão de minha extensa introdução até chegar ao ponto crucial – A arte em si.

Aproveito e deixo aberta a troca de idéias para aqueles que por ventura tiveram interesse no meu projeto, modelos e apreciadores.

* Nicolas Flamel ou Nicolau Flamel, em português (Pontoise, França, séculos XIII e XIV) Alquimista.

Fontes

- Site oficial Kornel Ravadits
- Portifólio Gráfico

LIMBO

2011-07-19T11:58:00.000-03:00

[Animação e Curta-metragem]

“A popularização do Inferno de Dante”

Dante Alighieri, escritor e político italiano, nascido Florença por volta de 1265, nunca esteve tão em voga com o seu clássico “A Divina Comédia” como nos séculos atuais. Provavelmente para alguns, tal título - A Divina Comédia – passe despercebido. Afinal, o escritor ganhou a alcunha de “dantesco”, não pela divindade de sua obra, mas pelo declínio de seus versos voláteis as profundezas do inferno. E justamente no primeiro tomo de sua epopéia, O Inferno, fez copular a imaginação de muitos pintores, músicos e artistas em geral.

Esta obra é classificada como um poema didático-alegórico: didático porque tem uma finalidade educativa, e alegórica porque os ensinamentos são ministrados por uma série de símbolos, ou seja, signos materiais que tem significação espiritual. A grandeza do poeta italiano reside em ter conseguido elevar à categoria da universalidade os problemas seus e de sua terra natal, através da força transformadora da arte. O parentesco de “A divina comédia” com a poesia épica greco-romana é evidente. O próprio autor de Eneida, Virgilio, é escolhido como mestre e guia espiritual do poeta, sendo um dos três personagens principais do poema. E com isso “A Divina Comédia” narra a viagem de Dante rumo ao inferno, passando pelo purgatório até chegar ao paraíso para encontrar a sua amada, Helena.

Para quem deseja ler o clássico e saber mais sobre o autor entre nesse site [www.stelle.com.br], um dos sites mais clássicos sobre a obra de Dante Alighieri no Btasil.

ANIMAÇÃO

Um bom exemplo de sua “inspiração dantesca” é pintura que abre este artigo: La Barque de Dante ou Dante et Virgile aux enfers (A barca de Dante ou Dante e Virgílio nos infernos), de autoria do pintor Eugène Delacroix.

No entanto, atualmente a sua obra, principalmente o seu INFERNO, tomou várias proporções na arte contemporânea. Encontramos o Inferno de Dante presente na música, cinema, jogos, HQ’s, fotografias e animações. Uma das animações interessantes que vi recentemente vem Pyx Motion Design, como o título “Limbo”. O resultado final deste trabalho conseguiu passar a idéia dos “círculos infernais” que Dante apresenta em seu primeiro tomo.

Vejam a postagem anterior “Depois do fim do mundo” [ver artigo Aqui] referente à Pyx Motion Design.

DEPOIS DO FIM DO MUNDO

2011-07-19T01:37:00.003-03:00

[Animações e curta-metragem]

“Inspiração tarantinesca em animações na terra do pau Brasil”

Não é de hoje que o Sr. Tarantino povoa as postagens do Imemorável. O cara é um ícone da cultura pop, trouxe das bocas de lixo e salas de cinema B toda uma narrativa inverossímil sobre o caos, sexo, corrupção, sadismo e violência social. Com muito sarcasmo e cinismo, transformou o lixo em arte, esculpindo novas veredas, ditando novos ângulos a sétima arte. Com isso acabou se tornando Cult na ‘simples’ habilidade de reciclar o que já existia. Para quem quer sacar o que estou dizendo, não deixe de ver a postagem Peripécias Tarantinescas. [veja o artigo Aqui]

Se criar é uma arte, re-criar é quase uma dádiva. Afinal, por mais que encontremos referencias dos filmes B nas obras de Quentin Tarantino, jamais veremos no cinema B a assinatura que compõem o seu estilo tarantinesco de narrar estórias. Esse sagaz “mother fucker” criou uma assinatura única que se distingue das demais expressões existentes no gênero. Sua grafia disforme é evidente em narrativas cheias de estórias assimétricas e diálogos desconexos, que no entanto, compõem perfeitamente a descrição psicológica e o perfil de seus personagens. Sem contar o minimalismo fotográfico e o escachado sarcasmo com a violência, utilizando o sangue como personagem - principal ou secundário - de suas estórias de vingança, justiça e traição. Muitos dizem que ele copiou o que já existia, eu digo que ele re-crio. Cópia é assistir o “Duro de Matar” (Die Hard/1988) com o Bruce Willies e depois ver a cara de pau do Steven Seagal com o seu sofrível “Difícil de Matar” (Hard to Kill, 1990), tentando ganhar bilheteria na onda dos filmes catástrofes/ação que se iniciou em meados dos anos 80.

Por isso considero o Sr. Tarantino um ícone indiscutível do cinema contemporâneo. E sempre me agrada ver certas homenagens ao seu estilo único. Como é o caso desta animação que apresento a todos vocês. Recentemente tive contato com os trabalhos da produtora Pyx Motion Design, mais exatamente a animação “Depois do Fim do Mundo” que é projeto de conclusão de curso de uma “molecada” muito cabeça. A animação conta a história de dois mercenários que, entre o obrigação e diversão de seu oficio, tecem diálogos engraçados (e interessantíssimos) sobre temas comum da cultura nerd.

Além da clássica música do filme “Cães de Aluguel” (Reservoir Dogs/1992), os mais atentos poderão encontrar várias outras referencias bacanas! Bom divertimento!

A SOLIDÃO DE LEE PRICE

2011-07-17T15:07:00.001-03:00

[Arte e Fotografia]

Em minhas férias tive contado com as impressionantes expressões do pintor Lee Price. Obras com perspectivas visuais muito realistas, quadros compostos em óleo sobre tela que expressam de forma contemporânea o impacto da solidão em nossa sociedade de consumo. Protagonizadas sempre por mulheres, suas telas são cobertas por diversas guloseimas que ao ocuparem todos os espaços, parecem deixar as peças com um sabor incomum de desalento e solidão. Outro ponto crucial é o ângulo em que as cenas íntimas acontecem. Suas pinturas são tão realistas que facilmente pode ser confundida com uma fotografia ao olhar menos atento aos detalhes.

Confira mais obras no site do autor - www.leepricestudio.com

Festivais do Paraná

2011-05-17T13:51:00.007-03:00

FESTIVAL DE CINEMA DE MARINGÁ

Inicia-se agora no dia 20 de Maio a 8ª edição do Festival de Cinema de Maringá no campus da Universidade Estadual de Maringá (UEM), tendo o seu término no dia 27 do respectivo mês. O Festival mantém o seu formato, dividido em duas mostras: competitiva e paralela. Nesta edição serão exibidos Longas-Metragens Ficção, Longas-Metragens Documentário, Curtas-Metragens Ficção, Curtas-Metragens Documentários e o que chamou a minha atenção, Curtas-Metragens Experimentais. Infelizmente nessa categoria vi apenas um único título "Amor puro e simplesmente" do diretor carioca Alexandre Lino.

Dos trabalhos em exibição destaco algumas produções que julgo interessante conferir, são elas: Os longas-metragens "Reflexões de um liquidificador" de André Klotzel (SP), "Escolha Única" de Érico Alessandro (PR) e "Segurança Nacional" de Roberto Carminati (RJ). Longas-Metragens Documentário "23.11.1967 - Documentos do Caso Clodimar Pedrosa Lô" de Eliton Oliveira (PR) e "No lixo do canal 4" de Yanko Del Pino (PR). Em Curtas-Metragens Documentários "Quanto vale o professor?" de Chico Rodrigues (RJ).

No ano passado foram inscritos 212 filmes – 183 curtas e 29 longas - dos quais 37 selecionados. Você pode conferir toda a grade de filmes no site - www.festcinemaringa.com.br. Na edição passada concorri com o curta- experimental chamado "Psicoce". Produzido em parceria com a UEM e demais colaboradores inscritos na oficina de cinema. Neste ano estarei apenas como apreciador, mas para o próximo espero concorrer com uma produção individual.

Lembrado que o festival é Entrada franca.

VIGOR MORTIS CURITIBA

Recentemente conheci o cineasta Curitibano Paulo Biscaia Filho, produtor do grupo teatral Vigor Mortis. Ao contrário da maioria dos grupos teatrais o Vigor Mortis tem a finalidade singular de tratar de temas peculiares da natureza humana, permeando assuntos como a morte, desejos dantescos e alucinações.

O grupo produziu recentemente um interessantíssimo filme chamado "Nevermore" baseado na obra de Edgar Allan Poe. Em um dialogo com o Paulo, Nervermore entrará em cartaz em Curitiba a partir de 6 de junho.

Na semana seguinte a estréia já estará a venda em DVD através do site www.vigormortis.com.br.

Espero conferir esse trabalho pessoalmente.

FILO - FESTIVAL INTERNACIONAL DE LONDRINA

E por fim, porém não menos importante, o festival internacional de teatro de Londrina que já está na 43º Edição. Estive na edição anterior e observando e as demais edições, com certeza o FILO é um dos maiores e melhores festivais de teatro do Paraná.

O festival ocorrerá 10 a 26 de Junho. Em contato com os organizadores tive a informação que ainda não foi disponibilizado as atrações desse ano, mas vale ficar atento ao site para garantir o seu ingresso - www.filo.art.br.

As fotografias em movimento de Yoann Lemoine

2011-05-08T15:41:00.004-03:00

[Imagem & Som]

A arte, assim como a boa música, expressamente do ponto de vista artístico, não tem rótulo. Considero que o feitor da arte deve fazê-la para sua própria satisfação, sendo reflexo de suas oscilações emocionais e ideológicas. E não propriamente focado ao deleite do público. Ao contrário do que vemos hoje, muitas coisas são segmentas a uma determinada massa. E por fim tudo não deixa de ser apenas uma reprodução contínua de um reflexo estereotipado, afirmando posturas e idéias refutáveis.

Mesmo este que vos fala sendo apreciador incondicional do bom e velho Rock n’ Roll. Admito que muitos vídeos clipes são meros aparatos de divulgação do produto banda. São poucas as bandas que conseguiram unir a musicalidade, a simetria reflexiva das letras à arte visual. Como é o caso da banda norueguesa, Lumsk, que demonstrou um ótimo trabalho de fotografia no vídeo da canção título “Trolltind” [veja aqui].

E apesar do rock n’ roll, assim como o Rhythm and Blues, serem uma constante na minha Play List, sempre estou antenado na expressividade de outras veredas. Para minha surpresa conheci um cara, eu diria um nerd, chamado Yoann Lemoine. Longe de qualquer musicalidade, Lemoine já nasceu envolvido no universo artístico. Nascido em 1983 já cresceu com a influência familiar de artistas visuais e músicos. Atualmente ele mora em Nova York e trabalha principalmente como diretor de cinema em meios como o vídeos de 8 a 35mm, animação 2D e 3D, stop motion, fotografia, ilustração, pintura, serigrafia, escultura, colagem, confecção de malhas e hologramas. Como compositor, iniciou sua carreira recentemente com o pseudônimo “Woodkid”, lançando amostra o seu primeiro trabalho, o vídeo da música “Iron”. E particularmente falando o vídeo tem uma fotografia espetacular. Ótimos processos de captura com lentes em alta definição que captam 1/1000 de frame. Termo técnico aparte, a arte visual se contrasta com o ritmo e o conceito poético da letra.

A soldier on my own, I don’t know the way

I’m riding up the heights of shame

I’m waiting for the call, the hand on the chest

I’m ready for the fight, and fate

The sound of iron shocks is stuck in my head,

The thunder of the drums dictates

The rhythm of the falls, the number of deads

The rising of the horns, ahead

From the dawn of time to the end of days

I will have to run, away

I want to feel the pain and the bitter taste

Of the blood on my lips, again

This deadly burst of snow is burning my hands,

I’m frozen to the bones, I am

A million mile from home, I’m walking away

I can’t remind your eyes, your face

"Iron" é uma canção forte que mais parece trilha sonora de filme épico. No entanto, apesar de muitos ligarem a palavra “épico” com “Heavy Metal”, a proposta de “Woodkid” caminha mais para as veredas do Alternativo e Trip Hop. Basicamente, o Trip Hop (também chamado de "música de Bristol", em referência à cidade da Inglaterra, onde o gênero surgiu) é música eletrônica em downtempo (lenta), marcada por downbeats (batidas desaceleradas, menos de 120 bpm) e pelo uso de instrumentos convencionais e acústicos. Entre os estilos que mais influenciaram o Trip Hop, estão: ambient, jazz, electropop, acid jazz, progressive rock, soul, funk, underground, reggae, dub e o uptempo (como o trance e drum n' bass).

Já conhecia os trabalhos de Yoann Lemoine nas artes visuais, musicalmente só tive contato com a música título “Iron” que vale os comentários aqui na seção “Arte e Fotografia”. Musicalmente falando a sonoridade mistura elementos folk’s e acústicos, lembrando algo ritualístico. O vocal caminha ao estilo rock alternativo com uma tonalidade dramática.

Além da belíssima fotografia de “Iron”, vale ressaltar a participação da lindíssima e conceituada modelo Agyness Deyn.

Documentário: Lendas do Rock Nacional

2011-05-01T23:21:00.001-03:00

[Cultura e Entretenimento]

Marcelo Nova é uma das pessoas que tem o meu sincero respeito. Realmente uma das poucas lendas vivas e ativas do rock n’ roll nacional. E nesta fantástica entrevista coordenada pelo documentarista André Bechelane vemos um pouco da sabedoria do homem que vive além dos holofotes do rock n’ roll.

Neste singular bate-papo Marcelo Nova deixa de lado o relato da cena rock para falar um pouco da vida e da cultura moderna. O pensamento aguçado e uma brilhante capacidade de articulação continuam a funcionar como uma espécie de charme para ele. A entrevista caminha por assuntos muito interessantes como Shakespeare e Bob Dylan, Luis Bunuel, Aldous Huxley e muitas outras coisas.

Conheça a extensão dessa entrevista no Birgona na Cabeça. Blog de autoria deste que vos fala voltado a para o rock n’ roll e seus afluentes - www.bigornanakabeca.blogspot.com

Fanzineiros do Século Passado

2011-04-17T17:17:00.006-03:00

FANZINEIROS DO SÉCULO PASSADO
Documentário nacional independente produzido por Márcio Sno

[Cultura e Entretenimento]

Atualmente com a multiplicação das redes sociais e os vários canais de comunicação, as pessoas se tornaram um tanto distantes de si mesmas e de seus objetivos culturais e intelectuais. O espírito empreendedor “Do It Yourself” (do inglês ‘faça você mesmo’) dos anos 90, cheio de libertinagem anárquica, resiste em heróicos lutadores. Mas infelizmente com a expansão e a velocidade da comunicação virtual, o que surgiu após foi, uma mera batalha sem nexo por status e pela exaltação estética da imagem.

Não faz muito tempo, li um artigo no “Nerd Somos Nozes”, blog que sempre acompanho, onde discutiam a questão da falta de comentários aos textos publicados. Que os blogs mais comentados são aqueles com conteúdo gratuito (humor, fotos nuas, vídeos de dancinhas e afins), sendo que os blogs com conteúdo elaborados ficavam as moscas sobre o ponto de vista interação entre blogueiro e leitores. [Leia o artigo Aqui]

É claro que minha opinião acima não se restringe a toda a internet. Afinal, graças a ela, temos acesso a certas informações que não tínhamos nos anos 90. Mas convenhamos, a inclusão digital ajudou para que “a arte por popularidade” se expandisse, criando pseudo-artistas, ofuscando as idéias daqueles que realmente tem algo a dizer. Por essa razão, mesmo com todas as qualidades supremas da internet, os FanZines são memoráveis. E em alguns casos, artigo de luxo, devido a sua publicação única e conteúdo raro.

Umas das razões que levou este que vos fala a criar um blog foi a idéia de criar um FanZine. Como em 1995 não tive parceria com culhões suficiente, após algum longo tempo, criei o meu primeiro site chamado Histórias Ocultas. Mas, ainda assim, ficou aquele desejo incompleto de criar um FanZine, algo que hoje é muito mais prático com a existência dos E-Zines (FanZines Virtuais). Essa idéia não morreu, amigos leitores, brevemente poderei dar boas notícias, aguardem.

No entanto, foi justamente quando estava pesquisando sobre o assunto que encontrei o interessantíssimo documentário independente de Márcio Ano. O documentário trata exatamente sobre a arte de interagir culturas e idéias entre as pessoas e grupos distintos antes da popularização da internet.

Fanzineiros do Século Passado – Capítulo 1: As dificuldades para botar o bloco na rua e a rede social analógica
Câmeras: Márcio Sno e Patrícia Amitrano
Assistente de Gravação: Calvin Konno
Edição: Márcio Sno
Trilha Sonora: Poindexter
São Paulo, Brasil - 2011 - Digital - Colorido - Widescreem Duração 31’14
Acesse mais informações: www.vimeo.com/marciosno

The Fly (A Mosca) 1958 - 1986 [cine B]

2011-04-16T11:32:00.019-03:00

THE FLY
(A Mosca)

Dois diretores, duas visões em épocas diferentes de um clássico do terror

[artigo/ filme / download]

Uma das coisas que mais fascina o ser humano é sua própria capacidade de superar suas limitações biológicas através da tecnologia, coisa que – até onde se sabe – nenhum outro animal consegue. Muito antes dos avanços científicos e da consciência humana sobre as manifestações moleculares na matéria, as artes, principalmente a literatura, de certa forma, foram capazes de prognosticar o avanço das ciências e com isso os passos da espécie humana rumo à evolução tecnológica. Autores como Julio Verne, H.G. Wells, George Orwell e Aldous Huxley passaram a ser lembrados por jornalistas, físicos, biólogos e outros cientistas em artigos acadêmicos que relatavam suas novas descobertas no campo da não-ficção. Até mesmo as histórias em quadrinhos serviram aos projetistas da Nasa diante de um problema na aerodinâmica dos foguetes. Fato, uma das soluções surgiu após observarem o design arrojado das espaçonaves desenhadas por Alex Raymond para a série Flash Gordon nos anos 30.

Mas ao mesmo tempo em que o avanço científico traz essa espécie de fascínio aos olhos - por outro prisma - não deixa de ser visto como uma violação da natureza, um passo além daquilo o que é moralmente permitido. Eis que entram os filmes de ficção científica e terror para narrar tais fatos. Eles souberam muito bem ao longo dos anos, deliciar-nos, com soturnas narrativas sobre o temor da espécie humana.

Em “The Fly (A Mosca)”, seja o Cult de Kurt Newmann produzido em 1958 ou a refilmagem que se tornou um clássico trash em 1986 nas mãos de David Cronenberg, ambos, são especialmente notórios por relatar as trágicas conseqüências da ciência rumo ao desconhecido.

[Atenção: o artigo a seguir contém spoiler sobre os filmes]

THE FLY – 1958
Por Kurt Neumann

Ao contrário do que algumas pessoas imaginam a idéia para "The Fly (1958)" não foi inspirado em “A Metaformose (1915)”, obra do maior escritor de ficção da literatura alemã do século XX, Franz Kafka (1883 – 1924). A origem veio de um conto publicado na Revista Playboy pelo escritor e jornalista britânico, Sr. George Langelaan (1908 – 1972) em 1957. Inspirado neste conto o diretor Kurt Neumann produziu o longa. No Brasil o filme foi lançado com um título bem notório - “A Mosca da Cabeça Branca”. O trabalho de Neumann foi muito bem recebido pela crítica e pelo público, sendo considerado um dos filmes mais assustadores da época, apesar de algumas falhas na direção.

O filme narra os acontecimentos que envolvem a família Delambre. A trama tem inicio quando na calada da noite o vigia da Fabrica Delambre ouve certos ruídos estranhos vindo das instalações internas, propriamente na ala das prensas. Ao chegar ao local, o funcionário presencia um cadáver com o braço e a cabeça esmagada por uma das prensas hidráulicas. Pelas vestes do morto, aparenta ser o cientista Andre Delambre, marido de Helene Delambre. Helena, ao ser vista no local, foge desesperadamente.

Após os fatos, Helene confessa ter matado o marido, expressa tal fato com um ar de satisfação e ao mesmo tempo misericórdia. Porém, seu cunhado, François Delambre, interpretado pelo incomum Vincent Price, não consegue compreender a razão do assassinato, já que o casal era muito apaixonado. O filme demora longos 30 minutos nessa trama de mistério. Aos meus olhos o diretor Kurt Neumann não soube dar ritmo para chegar ao ponto cuminante, ou seja, a fusão do homem e da mosca. A transformação só será exposta quando François convence Helene a narrar todos os pormenores para que não seja presa por assassinato. É a partir deste ponto que o filme começa a ficar interessante.

Helena começa sua narrativa sobre os momentos felizes em família, apesar da constante ausência do seu marido que andava trabalhando constantemente em uma descoberta que iria revolucionar a maneira das pessoas viajarem: um transportador de matéria. Quando ele julgou que seu trabalho estava pronto, vez a apresentação a Helene, teletransportando um objeto de uma cabine a outra. Porém ao finalizar a experiência Andre percebeu que algo saiu errado, pois a frase impressa na base do objeto saiu inversa. Vários outros testes fracassaram, o cientista chegou a desintegrar um gato até obter sucesso em seu invento.

Por fim, após uma seqüência de resultados positivo, como todo bom cientista, decide testar o experimento em si mesmo. Tudo sairia muito bem se uma mosca não tivesse entrado na cabine junto com ele. O resultado é catastrófico, mosca e homem, tiveram seu DNA partilhado após a fusão de uma cabine a outra. E cada qual se tornou, em partes, uma nova espécie. O cientista tinha a sua parte mosca, neste caso, não a transformação completa, mais sim, o braço e a cabeça do inseto. E a mosca desenvolveu uma perna diferente e uma cabeça branca (Eis a razão do “aportuguesamento” do título do filme!)

O filme não termina no desfecho acima. Após a descoberta do trágico acidente, Helene Delambre, com ajuda do filho, sai à busca da mosca de cabeça branca. Se ambos, mosca e homem, forem colocados novamente na máquina, possivelmente a repetição da experiência pode reconstituir o DNA do cientista. Mas como um bom filme de terror isso não acontece, o cientista aos poucos vai perdendo a essência humana e a mosca, pois bem, a mosca propicia um dos finais mais memoráveis da história do cinema clássico! O tiozão, François (Vincent Price), a encontra próximo ao banco do jardim, presa em uma teia de aranha. Distraído, ele jamais notaria a presença da mosca de cabeça branca, mas um fato incomum ocorreu, chamando a sua atenção. A mosca que estava presa clamava, isso mesmo que você leu, clamava por ajuda com ‘gritinhos’ de socorro. Ao observar a cena dantesca, François, notou que a parte mosca havia se difundido e era visível a parte humana que residia no inseto.

Logo abaixo o link do youtube para você que quer estragar a surpresa (ou não) desse final “unbelivible!”

[Final impagável da mosca em "The Fly (1958)" - aqui]

O filme conta com alguns efeitos especiais precários, principalmente devido à época em que foi produzido. Mas de certa forma, isso torna o filme curiosamente interessante, principalmente devido à impagável concepção de ‘Homem Mosca’ que a obra apresenta. De fato alguns atores deixam a desejar, mas em geral é interessante perceber a sutileza da história e como era futurística a visão sobre a evolução da tecnologia nos anos 50.

Apesar dos efeitos precários de Kurt Neumann, o filme ganhou vários prêmios, inclusive o prêmio “Hugo Award” (veja aqui) que é dado aos melhores romances de ficção cientifica. “The Fly” acabou se tornando uma verdadeira obra cult, infelizmente o diretor Kurt Neumann não chegou a presenciar o seu sucesso, ele se suicidou semanas antes da estréia do filme. Ninguém sabe ao certo a razão, mas acreditam que o diretor já previa um certo fracasso, já que seus filmes anteriores – inclusive a séries de filme Tarzan – não atigiu o reconhecimento que ele desejava como diretor. O filme acabou se tornado um verdadeiro Cult nos anos 60, sendo imortalizado pela clássica frase de sua refilmagem: “Tenha medo, tenha muito medo”, citada por muitas pessoas, sem de fato saber a sua real origem.

Vincent Price

E claro, não posso deixar de mencionar a importante presença do ator Vincent Price, grande expoente do cinema clássico de horror e ficção científica. Price tem em sua honrosa lista, clássicos atemporal, filmes como "Museu de Cera" (1953), "O Corvo" (1963) e "O Abominável Dr. Phibes" (1971). Infelizmente ele nos deixou em 1993. Mas fica o seu legado e sua memorável presença junto aos mestres do horror de todos os tempos como Bela Lugosi (1882 - 1956), Boris Karloff (1887 - 1969), John Carradine (1906 - 1988), Peter Cushing, (1913 - 1994) e o fabuloso ator Christopher Lee (1922). O único vivo e na ativa! Podemos vê-lo em "A Lenda do Cavaleiro Sem Cabeça", "O Senhor dos Anéis: A Sociedade do Anel" e recentemente "Star Wars: Episódio II - Ataque dos Clones".

Após a morte de Kurt Neumann e o sucesso do filme, foram produzidas duas continuações: “The Return of the Fly (1959)” e “The Curse of The Fly (1965)”. Porém, não tão significativas quando a obra matriz. Em 2007 foi lançado um Box com a trilogia remasterizada que você pode encontrar a venda em qualquer e-commerce especializado em cinema. No final deste artigo se encontra o filme para apreciação através de download.

TRAILER

THE FLY – 1986
Por David Cronenberg

Chegamos ao grande momento deste artigo! Apesar de ter um admirável respeito pelo clássico de Kurt Neumann, foi à refilmagem do diretor David Cronenberg que fez a diferença. Na época em que o filme foi lançado eu tinha apenas 6 anos e muitas descobertas pela frente. Ainda hoje considero o filme fantástico, mas na época, foi à coisa mais surpreendente que eu já havia visto. Porém, atualmente, conhecendo os trabalhos do diretor, tenho um senso crítico mais apurado e reconheço por quais razões “A Mosca” de 1986 se tornou um grande clássico e Cronemberg o propulsor do gore. A maioria das obras do diretor, principalmente os filme de inicio de carreira, são muitos referenciados pela presença da escatologia e o flerte com a ficção científica. O que de fato o ajudou a obter grande notoriedade. No entanto, Cronemberg é um dos poucos diretores que realmente merece a alcunha de "O Mestre Melancólico do Horror".

David Cronenberg

Os filmes de Cronenberg são de uma obscura e incomum beleza. Representam, poeticamente, a realidade depressiva, desesperançada e inevitavelmente trágica em que vivem seus personagens. Indivíduos atormentados, deveras doentios, e que ao longo de suas estórias travam drásticos embates com seus inimigos ocultos. Adversários que não residem no mundo exterior ou são criaturas revestidas de feições dantescas, mas sim, seus próprios medos e insanidades, presentes em temíveis e desconexos diálogos entre consciência difusa e a débil razão.

Uma das razões pelas quais criei esse blog é justamente para tratar de alguns filmes peculiares como este. E são por essas razões que a refilmagem de Cronenberg é tão marcante, devido à visão intimista e obscura de seus personagens: confusos, frágeis, estranhos, loucos e débeis.

A HISTÓRIA

O clássico de 1986 narra trajetória do cientista Seth Brundle (Jeff Goldblum) que está trabalhando para a Empresa Bartok em um experimento altamente secreto, um teletransporte. Para garantir o sigilo de sua pesquisa, Brundle montou seu laboratório em um prédio semi-abandonado na periferia da cidade. Desde então a sua vida se restringe praticamente ao estudo e trabalho incessante.

As coisas começam a mudar quando o cientista conhece a jornalista Verônica Quaife (Geena Davis) em um congresso científico. Entre lufas alcoólicas e flertes platônicos, Brundle se encanta com a beleza da jovem (apesar dos cabelos poodle, Geena se tornou um símbolo de beleza exótica até meados dos anos 90), conseqüentemente, convidando-a para passar algumas semanas em sua companhia para documentar aquilo que seria a “invenção que mudaria o modo do ser humano se locomover”. A jornalista, sedenta por um furo de reportagem, aceita documentar os fatos científicos.

Jeff Goldblum e Geena Davis

Brundle expõe o seu invento, explica que o processo funciona fazendo que o objeto utilizado seja desmaterializado instantaneamente em um terminal, para depois se reconstitua em uma fração de segundos no outro. No entanto, o invento funciona muito bem com objetos inorgânicos, porém com seres vivos, deixou a desejar, causando a deformação de muitos animais vivos.

Deste ponto em diante Cronenberg narra aspectos singulares de seus personagens. Demonstra a mente fascinante do jovem cientista e o encantamento da jornalista com a sua natureza sábia e incomum, contrastando com aspectos de sua frágil solitude social. E por fim, com o convívio, nasce um sentimento único entre ambos.

Para infelicidade de Bundle, o editor da revista a qual Verônica trabalha e um ex-namorado, Stathis Borans (interpretado pelo canastrão John Getz). E para não comprometer o seu romance com Seth Brundle, ela resolve dar um basta intromissões Stathis. Porém os fatos são mal interpretados pelo cientista que é tomado por ciúmes entorpecidos em uma razão amorfa aos fatos. Sentindo-se traído e indesejado, Brundle povoa a sua mente de turvas concepções, embriaga-se para tragar o amargo fel da desilusão. Possuído por um ímpeto de dor e fúria, resolve testar o invento em si mesmo, como uma forma de expurgar as frustrações e ao mesmo tempo provar a si mesmo que é capaz.

Ao realizar o procedimento, tudo parece muito bem, o teletransporte de matéria acaba sendo realizado com sucesso. No entanto, o cientista não percebeu que ao entrar na máquina, uma mosca o seguiu. No momento em que o procedimento foi ativado pelo cientista, o seu corpo e também o corpo da mosca, foram desintegrados em um terminal, e reconstituídos no outro.

A princípio, Brundle conclui êxito em sua experiência, sentindo-se até revigorado. Mas a máquina não havia sido projetada para teletransportar dois corpos distintos de uma única vez, de forma que, no momento da reconstituição, o processo fundiu em nível molecular o corpo de Brundle com o corpo do inseto. E ao contrário do filme de 1958 o cientista sofre sérias mudanças físicas e mentais, por completo. E por fim, gradativamente se transformando em uma mosca gigante.

O filme se desenvolve muito rápido até o seu grande êxtase. Brundle descobre que possuiu força e agilidade sobre-humana, imaginando que os cálculos de seu invento, não direcionaram apenas ao fato de teletransportar a matéria, mas sim, revigorar a estrutura molecular, transformando-a em uma matéria pura e suprema a natureza inicial. O que vemos a seguir são cenas do cientista “auto-suficiente”, provando a si mesmo e ao mundo a sua onipotência, como na clássica cena aonde ele literalmente arrebenta o pulso de um cara durante uma disputa de "queda-de-braço". No entanto, paralelamente, o personagem demonstra claros sinais de debilidade racional, proferindo idéias desconexas, como o fato de obrigar a jornalista a passar pela máquina para também se tornar um ser puro, uma “pessoa especial”. Essa demência gradativa do cientista acaba levando o relacionamento ao fim. E com o passar dos dias ele é cometido por uma grave doença que o torna consideravelmente debilitado. É neste ponto que se inicia as formas que o consagrou Cronenberg em termos de gore e escatologia em geral.

O cientista, após algumas pesquisas, se dá conta que a máquina não revigorou a sua matéria, mas sim, moldou o seu DNA com o da mosca. E que toda a decomposição corpórea nada mais é que a sua metamorfose ao estagio final. Seu corpo é possuído por manchas escuras, seguida de pêlos grotescos, as unhas e orelhas começam a cair em meio a secreções gosmentas que são expelidas constantemente de seu corpo. (argh!) Seth Brundle se isola completamente do mundo exterior. Somente após vários meses, Verônica recebe uma ligação do que restou de Brundle, pedindo para que ela vá até o seu apartamento. Ao chegar ao local a moça inevitavelmente se surpreende com o estado deplorável que se encontra o cientista.

Considero a cena a seguir, um dos pontos fortes do filme, o que vemos é a demência e idolatria do hibrido homem mosca ao seu gradativo e deplorável estágio larval. Neste ponto somos cometidos por uma série de seqüência de pura nojeira e bizarrice poucas vezes vistas até então em uma produção hollywoodiana. Brundle, ainda sim inspirado por seu espírito científico, se encontra totalmente fascinado com os percalços que a mãe natureza toma para seguir o seu percurso natural. Demonstra que a decomposição de sua matéria, como a queda dos dentes, lhe trouxe novos “benefícios”, fazendo com que a vida siga o seu percurso natural. Diante das explicações, ele demonstra a realidade dos fatos, literalmente vomita sobre um biscoito, com o intuito de depois ingeri-lo, junto com o próprio vômito. E explica que o vômito na verdade é uma solução repleta de enzimas que tem a função de decompor os alimentos para que depois sejam ingeridos, em um processo alimentar similar ao das moscas.

O filme prossegue belamente (interprete o lado mais vil da palavra ‘belo’), trilhando uma luta entre a “consciência humana” e o “instinto de sobrevivência do inseto”, naturezas impulsivas se conflitando em uma única matéria. E apesar deste artigo conter um “belo spoiler” sobre a película, deixo para aqueles que não assistiram, o sabor do culminante final ao assistirem o filme. Pois é interessante perceber que pouquíssimos filmes tem a audácia de criar cenas tão repulsivas, mas que ao mesmo tempo não caem no modismo “asco pelo asco”. Além da metamorfose do homem em mosca, toda essa transformação representa a mutação da consciência de um ser humano debilidade emocionalmente, bem ao estilo de David Cronenberg, amargo e pessimista.

É claro, infelizmente os filmes, principalmente americanos, optam por investir em refilmagens européias ou asiáticas, estragando de forma vigorosa a natureza inicial da obra, como ocorreu com a refilmagem em 2010 do belíssimo filme sueco “Deixe Ela entrar (2008)” [veja Aqui]. Deploravelmente o cinema americano vem investindo em “sustinhos” manjados, com cenas de morte “fora da tela” para agradar a censura, obtendo uma resposta comercial. Mas, não quero que você, leitor, faça desse comentário uma ode a banalização da morte como ocorreu com os protótipos inspirados na série de filmes “Jogos Mortais”. Estou me referindo a arte de contar histórias realmente densas sobre a natureza humana, histórias que façam o telespectador refletir sobre a sua ambivalência e ver que a violência é projeto do meio.

TRAILER

DOWNLOAD

Ambos os filmes tratados neste artigo foram relançados no mercado em DVD em 2007. Em qualquer site especializado você encontra as obras com belíssimos extras. Porém, para apreciação disponibilizo o arquivo torrent dos dois filmes. Bom Divertimento.

The Fly (1958)
Título em português: A Mosca de cabeça Branca
Direção: Kurt Neumann
Imagem: Cores

The Fly (1986)
Título em português: A Mosca
Direção: David Cronenberg
Imagem: Cores

Arquivo Torrent + Legenda em Português

Documentário Campari

2011-04-04T00:42:00.004-03:00

150 Histórias sobre vidas interssantes

[cultura e entretenimento]

A bebida com o sobrenome do criador, o italiano Gaspare Campari, completou 150 anos (1861 – 2011) de existência. Isso não seria nada demais se por atrás dessa comemoração não houvesse uma iniciativa criativa. A Campari teve a idéia de produzir um web documentário que reunisse depoimentos de vidas incomuns narradas em poucos minutos. Foram escolhidas 150 pessoas de características únicas, reunidas e entrevistas por Gastão Moreira ao longo do ano de 2010.

PROJETO CAMPARI 150 ANOS

A figura do apresentador Gastão Moreira me traz saudosas e felizes memórias de tempos passados, quando a MTV tinha programas que realmente falavam sobre rock n’ roll, lembrando impagável Fúria MTV. Em seguida ele teve uma passagem memorável pela TV Cultura e depois nunca mais vi o sujeito na TV Aberta. Mas graças à internet sempre temos a possibilidade de cultivar cultura além daquilo que nos é proposto. Eis que o encontrei nesse projeto chamado documentário Campari 150≠.

Após assistir, selecionei seis histórias interessantes, mas acima de tudo, devido as suas narrativas singulares sobre aquilo que compõem o conceito de felicidade a cada um dos entrevistados. O interessante das narrativas são as singularidades sobre aquilo que corresponde vida a nós humanos. Ressalto um destaque para o desenvolvedor de jogos, Fabio Onça, Autor da Enciclopedia da Mitologia Marcelo Del Debbio e ao desbravador William Coelho.

1. Fabiano Onça - Desenvolvedor de Jogos

2. Marcelo Del Debbio - Autor da Enciclopedia da Mitologia

3. Wendel Bezerra - Dublador

4. Emerson Boaventura - Taxidermista

5. Flavio Pacheco - Colecionador de brinquedos

6. Willian Coelho - Idealizador do Movimento Superação

Veja outros vídeos no site do projeto - www.campari150anos.com.br

The Animation Workshop's

2011-03-13T01:48:00.002-03:00

The Animation Workshop's
(Animações)

Olá leitores

Como fui apossado de uma força superior chamada “insônia” e como contar carneirinhos não faz muito o meu perfil, eis que fui invocar a presença do Sr. Sandman de outra maneira. Vagando pela internet encontrei um projeto dinamarquês intitulado “The Animation Workshop's” [confira o site – aqui]. O projeto além promover festivais de animação, organiza cursos de animação em vídeo e artes visuais em geral.

Separei 3 curtas belissimamente soturnos desenvolvido pelo projeto. O primeiro, “The Backwater Gospel”, é uma pequena narrativa sobre uma das maiores invenções da humanidade: O Medo. E como através dele as grandes religiões manipulam a esperança das pessoas. No entanto, diante de todas as verdades mutáveis erguidas pelo homem à única que permanece exata desde os tempos imemoráveis é a Morte - desconhecida em sua profundeza, mas certamente concreta em seus atos.

Na segunda animação, “Mighty Antlers”, outra viagem surreal que permeia o instinto humano: o prazer da superioridade diante da natureza alheia. Porém nada parece como exatamente nossos olhos demonstram ser...

E o ‘Gran finale’ a animação “Salma”. Está a interpretação fica por conta de vocês amigos leitores!

The Backwater Gospel

Mighty Antlers

Salma

La Herencia Valdemar (2010) [cine B]

2011-03-06T22:37:00.018-03:00

La Herencia Valdemar
(O Legado de Valdemar)
[FILME]

Desde que tive contato com o cinema espanhol, nunca mais vi os filmes com teor fantástico da mesma forma. Os cineastas espanhóis têm uma forma singular e única de narrar suas lendas. Uma forma não-linear que aguça a perspectiva do telespectador. Em suas películas o fantástico ou o horror não está diretamente ligado ao susto visual ou ao terror ‘americanizado’ daquilo que considero grotesco e pavoroso. O fragmento fantástico do cinema espanhol está intricadamente ligado com a progressão da história, envolto a narrativa, tecendo uma trama inverossímil que vai se encaixando pouco a pouco, transformando-se em algo surpreendente com a conclusão dos fatos.

Já são clássicos do cinema espanhol filmes como “El Laberinto del Fauno (O Labirinto do Fauno)”; "Espinazo del Diablo (A Espinha do Diabo)" de Guillermo del Toro, “El Orfanato (O Orfanato)” de Juan Antonio Bayona e o fantástico “REC” de Jaume Balagueró e Paco Plaza. Filmes únicos!

No entanto, o cinema fantástico espanhol, graças ao sagrado Cthulhu, ainda tem muito a nos apresentar. Tive essa concepção assistindo “La Herencia Valdemar (O Legado de Valdemar)” do diretor José Luis Alemán. Um dos pouquíssimos filmes que tive o prazer de assistir e presenciar uma abordagem séria da cosmologia literária do fantástico escritor H.P Lovecraft.

O LEGADO DE VALDEMAR
Uma história que oculta um passado sombrio

O início do filme é centrado em Luisa Llorente, uma perita em avaliar construções antigas que é encarregada de coordenar um inventário de posse de bens de uma mansão vitoriana pertencente à família Valdemar. Ao chegar ao local a moça se depara com estranhos eventos sobrenaturais e uma estranha criatura com feições humanas que parece habitar a mansão desde tempos inomináveis.

Luisa Llorente

À primeira vista, os vinte minutos iniciais parecem banais ou até mesmo nada reveladores, criando uma impressão de repetição ou algo que já vimos anteriormente no cinema americano. No entanto o filme vai moldando um novo eixo, criando uma narrativa não-linear após o desaparecimento inexplicável da corretora de imóveis. Até exato momento, Luisa Llorente era a personagem central da trama. Com o seu desaparecimento a empresa, por razões desconhecidas, não deseja o envolvimento da policia. Portanto, contratam o detive particular, Nicholas Tramel que fica responsável pelo caso.

Nicholas Tramel e Nora

Tramel faz uma longa viagem de trem ao vilarejo aonde se encontra a Mansão Valdemar. Em sua companhia a empresa designou Nora, uma mulher fria e direta, presidente da Fundação Valdemar. Nora tem a incumbência de colocar o detetive Tramel diante dos fatos que permeiam o legado Valdemar. É a partir deste ponto que a trama começa ficar cada vez mais interessante.

RUMO AO SÉCULO XIX

Nora inicia a sua narrativa sobre o casal Beatriz e Lázarus Valdemar. Apartir de agora o filme adentra em outra atmosfera. Aprofundando-se nas veredas do século XIX, criando os fragmentos que permeiam os mistérios que fazem jus ao título do filme. Conta-se então a história de Lázarus, um homem aparentemente feliz, apesar de sua esposa ser incapaz de dar-lhe um primogênito. Diante do infortúnio da natureza, mas muito apaixonados, ambos adotam várias crianças, tornando a mansão em uma espécie de orfanato.

É neste ambiente que Lázarus exercita sua segunda paixão, a fotografia familiar. Todavia, depois de um tempo ele se cansou das fotografias familiares e começou a praticar novas experiências incomuns, chegando até aprofundar-se no ocultismo. Entre várias experimentações e truques ópticos como difusões, fundos negros e exposições duplas. Lázarus descobriu algo revelador, a fotografia psíquica.

Foi então que ele teve uma grande idéia. O espiritismo era algo novo e preste a se tornar uma moda. Lázarus começou a ganhar fortuna fazendo sessões espíritas. Prometendo aos seus participantes a certeza do último registro ao lado de seu ente querido. Tais sessões acabam chamando a atenção de Alester Crowley (mago e charlatão inglês) que propõe fazer um ritual proibido, conhecido como “O Ritual de Dunwich”.

H.P LOVECRAFT

O Ritual de Dunwich é inspirado em um conto do escritor de literatura fantástica H.P Lovecraft. O suposto ritual é mencionado no conto “O Horror em Dunwich”. Dunwich, segundo o conto do autor, é um vilarejo localizado em Massachusetts, um dos 50 estados dos Estados Unidos da América, localizado na região da Nova Inglaterra. Neste vilarejo oculto entre penhascos e floresta, por volta de 1747, era praticado estranhos rituais de evocações que clamavam por seres ocultos além das montanhas. O ritual consistia, sendo a narrativa fantasiosa do autor, abrir o portal entre as dimensões que separam a nossa realidade do desconhecido.

Alester Crowley

A narrativa do filme é justamente inspirada neste conto de Lovecraft. Crowley, a fim de persuadir Lázarus, conta-lhe sobre todo o sortilégio do conhecimento adquirido. No entanto o ritual sai do controle, evocando uma criatura inominável das profundezas do desconhecido.

CURIOSIDADES DO FILME

La Herencia Valdemar tem algumas coisas muito interessantes que não podem passar em branco. A primeira delas é a impecável caracterização de época e a perfeita simetria narrativa que torna o enredo interessante, narrando de forma concisa à cosmologia do universo tétrico de Lovecraft. O próprio José Luis Alemán proferiu em uma entrevista sobre as dificuldades de se fazer um filme baseado na obra do escritor. Justamente devido à profundeza de detalhes que existe em seus contos e a profundidade da narrativa, muitas vezes, com ausência de diálogos. Mas após a experiência de assistir ao filme, garanto que o diretor teve muito êxito.

Outro fato interessante sobre o filme são os personagens que se apresentam. Para a execução do ritual de Dunwich o mago Alester Crowley traz em sua companhia quatro figurinhas interessantes do século XIX. A Sra. Belle Gunnes uma das maiores serial killers de sua época. Podemos dizer que a dona Gunnes é a própria personificação da Viúva Negra, pois todos os seus casamentos terminavam com uma morte inesperada. Narra à história que ela já matou mais de 40 pessoas durante uma década. Todas as mortes envolviam heranças e seguros de vida.

Temos também, a Sra. Lizzie Borden, uma solteirona da Nova Inglaterra que ficou popularmente conhecida pelo homicídio duplo a machadadas brutais de seu pai e sua madrasta. Alguns murmúrios dizem que ela era lésbica e sua madrasta não aceitou tal situação. Sim, Lizzie Borden também é o nome de uma banda de Heavy Metal (Leia-se glitter metal) muito conhecida nos anos 80. E por fim, outras duas personalidades bem conhecidas: o escritor Bram Stoker, autor do Drácula e o musicista italiano Sr. Luglio Fuchini.

Reyes Abades responsável pelos impressionantes Efeitos Visuais

La Herencia Valdemar é o primeiro filme em toda a história do cinema espanhol feito sem subsídios do governo espanhol. E também o último filme de Paul Naschy, que faleceu em 30 de novembro de 2009.

Os efeitos especiais ficam por conta de Reyes Abades, mestre consagrado responsável também pelos impressionantes efeitos visuais de “El Laberinto del Fauno (O Labirinto do Fauno)”do diretor Guillermo del Toro.

TRAILER

FICHA TÉCNICA

Diretor: José Luis Alemán
Elenco: Silvia Abascal, Jimmy Barnatán, Lino Braxe, Ana Bullón, Ignacio García-Bustelo, Luis García, Óscar Jaenada, Soraya Padrao.
Produção: Íñigo Marco
Roteiro: José Luis Alemán
Fotografia: David Azcano
Trilha Sonora: Arnau Bataller
Ano: 2010
País: Espanha
Gênero: Suspense/ Drama

CONFIRA

O Site do Filme - www.laherenciavaldemar.com

Assista o Making OFF - Assista AQUI

ARQUIVO

Torrent + Legenda em Português

ATENÇÃO: O arquivo é hospedado no 4shared. Se ao ciclar o link parecer inválido, tente novamente. Já foram feitos vários downloads.

H.P LOVECRAFT

Faça download do conto que inspirou o filme

- O Horror de Dunwich - H.P Lovecraft [download]

Conheça mais sobre o autor acessando o melhor site sobre Lovecraft do Brasil.
www.sitelovecraft.com

2011-03-04T20:38:00.006-03:00

Lado B - Como Fazer Um Longa Sem Grana no Brasil
[DOCUMENTÁRIO]

Atualmente com o advento da internet qualquer indivíduo, pensante ou não, pode produzir um vídeo. Na maioria das vezes somos obrigados a ver um número infindável de produções toscas com comicidade duvidosa devido à ausência de algo primordial no ser: Senso-crítico e criatividade. Infelizmente, diariamente a internet regurgita uma quantidade incalculável de vídeos de péssima qualidade, cheios de “Eu quero ser artista” ou com o subtítulo de “produção independente” ou “curta-metragem”, carregando cunhado em seu eixo o rótulo de Trash ou produções B.

O CINEMA INDEPENDENTE

Não basta apenas ter uma idéia na cabeça e uma câmera na mão para se produzir um filme. E com certeza a tal inclusão digital facilitou muito para que os meios de propagação visual se tornassem cada vez mais obscuro para os produtores independentes. Dificilmente o público tem acesso às produções independentes com caráter profissional. É claro que não posso deixar de admitir que a inclusão digital abriu as portas para um meio que era dominado somente por aqueles que tinham equipamentos profissionais, materiais adequados e meios para executá-los. No entanto, a tal inclusão digital é uma faca de dois gumes: o fácil acesso onde todos são expostos, porém poucos são ouvidos.

O diretor Marcelo expõe no documentário as duras penas de se fazer cinema no Brasil

Produzir um filme, seja ele um longa-metragem ou um curta, muitas vezes requer um custo considerável e um respeito patriótico à produção cultural do país, algo que o nosso Brasil raramente se demonstra prestativo a exercer. O cineasta e seu projeto ficam diante de duas facas afiadas. De um lado temos o governo que “disponibiliza” a verba de incentivo a cultura, porém, essa tal “disponibilidade” exige um certo apadrinhamento e amizade com aqueles que vão julgar se o seu projeto é viável ou não. Por outro lado nos resta alguns empresários de mentalidade inferior que, na maioria das vezes, vê a arte como uma propaganda publicitária de sua marca. E hipocritamente não associam a sua marca com temas e questões polêmicas. São esses mesmos algozes do capital que falseiam suas penas de abutres com propagandas sobre responsabilidade social. Então resta ao cineasta independente a cara limpa, a coragem e a criatividade.

PRODUÇÃO SEM GRANA E COM CORAGEM

O documentário que expões as verdades que não concorrem ao Oscar

De frente com a realidade surgiu esse interessantíssimo documentário do diretor Marcelo Galvão. Que além de ser o retrato cru da realidade nua do cinema independente nacional, sem sombra de dúvidas é uma aula de bravura (e dicas muito válidas!) do que é necessário para produzir um filme no Brasil.

O documentário conta com a participação do diretor Fernando Meirelles

O documentário relata as dificuldades da produção do primeiro longa de sua carreira, o premiado QUARTA B. O filme foi produzido com pouca verba e eleito o Melhor Filme pelo público na 29ª Mostra Internacional de Cinema de São Paulo. Por ser um filme com temas que ardem aos ouvidos dos patrocinadores - o efeito do uso das drogas - encarou várias dificuldades que vão desde intervenção evangélica até batida policial durante as filmagens.

Produção do filme Quarta B

Apesar do ponto de partida pouco esperançoso, o documentário apresenta uma versão bem-humorada do drama da equipe, recheado por depoimentos de pessoas importantes do cinema brasileiro, como Fernando Meirelles, Ugo Giorgetti, José Eduardo Belmonte, Alexandre Stockler, e Theodoro Fontes. Como profissionais, eles expõem suas próprias experiências e dificuldades.

SOBRE O DIRETOR MARCELO GALVÃO

Além do “Quarta B” o diretor Marcelo Galvão impressiona pela diversidade dos temas em que trabalha. Por exemplo, “Colegas, O Filme”. Segue a sinopse: “O filme que aborda de forma inocente e poética coisas simples da vida através dos olhos de três jovens com síndrome de Down. São eles: Stalone, Aninha e Márcio, colegas que se comunicam basicamente através de frases célebres de cinema, resultado dos anos em que trabalharam na videoteca do Instituto Madre Tereza, local onde vivem. E um dia, inspirados pelo filme Thelma & Louise, resolvem fugir no carro velho do jardineiro (Lima Duarte) em busca de seus sonhos (...)” (retirado do site do filme - www.colegasofilme.com.br)


Lima Duarte e Marcelo Galvão

Em outra aresta surge o interessantíssimo filme “Bellini e o Demônio” baseado no livro de Toni Belloto. O filme é o retorno as telas de Fábio Assunção. O ator interpreta o personagem Belini, o detetive que se vê em uma busca frenética, envolto em assassinatos brutais, rituais satânicos e visões macabras. O filme narra a busca de Belini para encontrar um livro considerado maldito, o conhecido “O Livro da Lei” de Aleister Crowley. Assistindo ao trailer no próprio site do filme (www.bellinieodemonio.com.br), tive a impressão, talvez equivocada, pois não assisti ao filme ainda, mas tive a impressão de uma semelhança com o “O Último Portal (The Ninth Gate)” do diretor Roman Polanski.

Fábio Assunção e Marcelo Galvão

O filme do Polanski também trata da história de um detetive, neste caso um comprador de livros antigos, Sr. Dean Corso (Johnny Depp) que é contratado por Boris Balkan (Frank Langella), um entusiasta por ocultismo que acabou de conseguir um raríssimo do livro do século 17 que, segundo a lenda, foi escrito a punhos pelo próprio Diabo e traz uma poderosa invocação satânica. Balkan deseja que o Sr Corso excursione pela Europa em busca de outros livros do mesmo autor para comprovar quais dos títulos são considerados os verdadeiros.

Provavelmente é apenas uma semelhança entre os filmes, “Bellini e o Demônio” será o próximo filme que irei assistir e assim poderei comprovar as diferenças. Mas fica aqui o meu respeito ao diretor Marcelo Galvão.

CONSIDERAÇÕES FINAIS
sobre o documentário

O documentário é um reflexo fiel das dificuldades de se fazer filme no Brasil, não somente na questões financeiras, mas principalmente no obstáculo que é fazer com que todos os envolvidos abracem a sua idéia em todo o conceito e contexto que ela foi criada. Pessoalmente tenho vários exemplos. Sou fotografo e redator por paixão, estou nessa busca ativa por quase 10 anos. Vislumbro as dificuldades. Não me refiro somente a arte cinematográfica, mas em outros projetos independentes que já iniciei ou estive inserido. Sem sombra de dúvidas, a maior dificuldade é fazer com que aqueles que estão como co-produtores de seu projeto, tenham o mesmo feeling e o rápido insight como você, vislumbrando os objetivos finais.

Eu já trabalhei em alguns curtas, já inscrevi os meus roteiros em projetos de incentivos culturais, já estive a mercê dos algozes citados anteriormente, já trabalhei de graça para cultivar colaboradores em projetos futuros. Sei o quanto é difícil conciliar e praticar aquilo que lhe estimula o sabor da vida (as artes e adjacentes), ainda mais conciliando com as obrigações sociais e econômicas que algumas vezes se apóiam em barreiras da própria falta de acesso a liberdade cultural.

A situação mais chata que me encontrei foi quando tiveram a cara de pau de pedir meu equipamento fotográfico emprestado, deixando nas entrelinhas a ausência da minha visão profissional. Mas isso já é coisa da cidade totalmente provinciana onde moro, chamada Maringá. Assunto que não irei me estender, pois o Imemorável é um site de opiniões e conteúdo, e não questões pessoais deste autor.

Fechando o artigo, o documentário “Lado B - Como Fazer Um Longa Sem Grana no Brasil” é uma prova de que, em um país sem apoio a cultura, um bom filme tem que conter três coisas: um excelente roteiro, um grupo unido e perseverança.

FICHA TÉCNICA

Direção: Marcelo Galvão
Ano: 2007
Duração: 70 minutos
Origem: Brasil

Audio: Português

Legenda: Não

TRAILER

ARQUIVO

Download arquivo torrent

RECOMENDO A VISITA

Quarta B - www.quartab.com.br

Colegas, O Filme - www.colegasofilme.com.br

Bellini e o Demônio - www.bellinieodemonio.com.br

LEIA TAMBÉM

Leia também o artigo sobre o documentário baseado na vida do diretor Roman Polanski

Roman Polanski, Wasted and Desired (2008) [Leia AQUI]

Oscar - O espetáculo mais ridículo da terra

2011-03-01T13:13:00.007-03:00

OSCAR
O espetáculo mais ridículo da terra

O Oscar é a premiação mais ridícula direcionada ao cinema. Comecei a perceber tal fato (depois dos 15 anos), quando deixei de olhar os filmes como forma entretenimento durante as tardes ociosas. Comecei a observar as mensagens contidas dentro de tais películas, seus signos e símbolos, o que eles diziam nas entrelinhas ou escrachadamente. Com o tempo notei que as grandes produções, as verdadeiras obras-primas de uma geração e seus diretores com percepção incomum nunca chegaram a ganhar o tão afamado prêmio. Os verdadeiros mestres da 7ª Arte como Alfred Hitchcook, Stanley Kubrick, Quentin Tarantino, Martin Scorsese e Francis Ford Coppola perderam estatueta para produções extremamente ridículas se observamos o seu conteúdo.

Não vou dizer que todos os filmes premiados pelo Oscar são ruins, mas não deixarei de afirmar que a maioria deles não merece o título que a premiação ousa sustentar: “O melhor filme (diretor, ator...etc) do ano”. A verdade seja dita, este evento nunca serviu para premiar as inovações da Sétima Arte, mas sim, a própria indústria Hollywoodiana, além o afirmar ao mundo o estilo americano de se viver.

COMO GANHAR O OSCAR

A escolha dos filmes para o Oscar é muito fácil, pois eles não premiam críticas a sociedade e muito menos inovação na perspectiva visual do tema. Na maioria das vezes os filmes premiados são de fácil interpretação do público. Ou seja, Hollywood prova aquilo que todos já suspeitavam. Para um filme concorrer ao Oscar deve-se fazer uma história agradável a todos, com ênfase em risadas e uma bela demonstração de superação, principalmente se o povo americano puder se identificar com o enredo proposto, tornando-se um belo exemplo de vida. Além da superação deve conter na película alguns conflitos, porém, tudo deve dissolver agradavelmente no final. Assim deve ser um típico roteiro de filme que deseja levar o Oscar.

A ORIGEM

Esse é a causa pela qual o filme “O Discurso do Rei” foi o grande premiado nesta edição de 2011. Pelo mesmo razão, porém contrária, “A Origem” (grandiosa direção de Christopher Nolan), “A Rede Social” (filme chato pra diabo!) “O Cisne Negro” (bacana, mas não é tudo aquilo que o alvoroço quis proferir) não levaram o prêmio. Justamente porque tais filmes não passaram uma história agradável. São obras repletas de conflitos, conteúdo complexo ou realidade desagradável. Repleto de críticas e reflexões nas entrelinhas, sem um final conclusivamente feliz. Veja bem, não estou afirmando que “O Discurso do Rei” seja de péssima qualidade. O que digo é que o título “O melhor filme do ano” é injusto perante seus concorrentes ao Oscar.

CISNE NEGRO

Por tais razões considero o Oscar a premiação mais insignificante que existe. Ele não premia a inovação da Sétima Arte, muito menos é a festa do cinema. O que vemos é uma festinha Hollywoodiana aonde os pobres e tolos (produções estrangeiras) são convidados a premiação, justamente para sentirem-se inferiorizados, após a “derrota” para o “império” americano. É a festa de gala da imagem, um teatrinho de maquiagem e vestidos, nada além disso.

REDE GLOBO NO OSCAR

Nesse domingo assistindo o Fantástico (que de fantástico não tem nada), dei algumas risadas sarcásticas observando como o programa da “importância” aqueles que são convocados a premiação. Ao término de uma reportagem os apresentadores fizeram um link a festa do Oscar. Neste momento a jornalista Giuliana Morrone entrevista o artista plástico brasileiro Vik Muniz e após o presidente da associação de catadores de lixo, Tião Santos. Ambos, artista e inspiração central ao projeto, representam o documentário "Lixo Extraordinário". Lembrando que o documentário foi dirigido por João Jardim, Lucy Walker e Karen Herley, a produção foi vencedora de prêmios de público nos festivais de Sundance e Berlim em 2010.

No entanto, percebam como a jornalista não dá mínima a opinião do entrevistado Tião Santos. Percebam que a emissora não enfoca a razão do documentário, toda a questão é voltada ao glaumour do evento. Vejam o vídeo. Edição deste que vos fala

O Oscar é realmente patético, principalmente se observarmos as opiniões das emissoras diante do evento. No dia seguinte, segunda-feira, tive o desprazer assistir a um desses programas das tardes enquanto tomava o meu café no ambiente de trabalho. O enfoque do programa era o Oscar 2011, mas não os filmes, produções ou diretores. Mas sim, pateticamente, os vestidos e as maquiagens que as atrizes usaram e que instantaneamente se tornaram tendência após a exibição do evento.

Enfim, um bom filme não precisa de prêmio, assim como os grandes apreciadores da 7ª Arte não precisa do Oscar para discernir o que é bom ou ruim. Não tive muita expectativa com o Oscar, nunca tive. Fica a crítica a algo tão deplorável e ao mesmo tempo tão esperado.

Segue um link interessante.
As 10 maiores injustiça de toda a história do Oscar [Ler]

Dead Island

2011-02-19T20:11:00.003-02:00

Uma narrativa poética e visual escrita em sangue

[cultura e Entretenimento]

Quando escrevi o subtítulo para esse post, eu estava justamente refletindo sobre a evolução gráfica e expressiva dos vídeo-games. Já faz um bom tempo que eles deixaram de ser um entretenimento voltado à pontuação e competição entre players. Com a evolução da tecnologia gráfica e a inteligência artificial os jogos foram se tornando narrativas bem expressionistas. Hoje eles narram estórias surrealistas (ou não) pautadas em roteiros epopéicos com grandiosa direção cinematográfica.

Tais jogos são avaliados nos mesmos parâmetros de um excelente filme. Ou seja, um bom roteiro, direção, trilha sonora e fotografia. Para cada título que surge no mercado é produzido um “cinematic”. Uma espécie de trailer propriamente dito. Porém, tais vídeos atualmente excedem a natureza da divulgação. Na verdade são magistrais produções cinematográficas que concorrem (se assim podemos dizer) ao "Oscar do universo gamístico".

Um bom exemplo é o jogo Dead Island desenvolvido pela Techland. Nesta produção de três minutos a narrativa envolve o telespectador em sangue, vísceras e todos os elementos classificados como gore. No entanto a progressão da narrativa consegue de forma muito sutil alcançar um belo resultado, não somente pela composição gráfica, mas principalmente devido à capacidade expressiva que o filme alcança.

HISTÓRIA DO JOGO

O jogo se passa num resort em Papua Nova Guiné onde uma família feliz vai passar as férias. Porém algo terrível acontece e o percurso de férias muda completamente.

O jogo está previsto para 2011 e será lançando para Playstation 3, PC e para Xbox 360 (ueba!).

Dedico esse post a minha namorada, sempre querida, Rafaela. Que "satiriza" esse meu vício gamístico. Alguém que degusta comigo toda essa gama de atrativos B e que vê magia nas minhas loucuras culturais e respectivas narrativa que faço sobre elas.

Hollywood Is Dead

2011-02-10T12:10:00.004-02:00

HOLLYWOOD IS DEAD
Artes para o apocalipse

[Arte e Fotografia]

Olá leitores(as) do Imemorável!

Para aqueles que acompanham minhas aventuras textuais aqui no blog, sabem da minha simpatia platônica por zumbis. Fiz uma grande análise sobre isso no artigo “Fido – Um filme sobre zumbi politizado” [leia o artigo – AQUI].

Pois bem, atualmente, mais do que nunca (parafraseando o Faustão) o tema zumbis se tornou conversa de botequim. Conversas que chegaram a um nível cerebral inimaginável, ao ponto de causar furor no cume das discussões devido às opiniões controvérsias entre contextos distintos! Opiniões bizarras do tipo “Se o Jack Chan virar zumbis ele será um zumbi rápido?”. No entanto, os conservadores da teoria “zumbicionista” acreditam que todos os zumbis são lentos devido à degradação corpórea.

Em certas comunidades do mundo rosa (Orkut) existe até uns debates que narram a epopéia apocalíptica da ascensão dos zumbis ao mundo dos vivos. Uma espécie de “previsão Maia” com resultados antropofágicos. Alguns já estão até confabulando meios de defesas e proteção diante de tal ameaça. Podemos encontrar comunidades que tratam desse assunto como “Estou pronto para caçar zumbis”, “Equipe tática anti-zumbi” e a mais incomum de todas “F.P.A.Z – Frente de Proteção Anti-Zumbis”, aonde acontece papos mais do que surreais.

Matt Busch
O artista dos mortos-vivos

De 2002 para cá os filmes sobre zumbis não apenas retornaram das covas, mas o assunto virou uma febre. Viajando no soturno universo que se chama internet, encontrei o distinto site “Hollywood is Dead” destinado a vender camisetas e pôster. Ok, você pode até dizer: “Ah, mas isso não tem nada de extraordinário, Sr Domenium. Existem vários sites que vendem pôster e camisetas!”. Com certeza meu estimado leitor, mas tais pôsteres são pinturas a mão de pôsteres clássicos do cinema, como o do filme “Indiana Jones e a última Cruzada”. Digo mais, além de cada detalhe original ser reconstituído a mão, as composições são “zumbi-estilizadas” em forma de pintura. Ou seja, o resultado é quase um “remake” ao estilo “Night of The Living Dead”. Eu achei genial!

É um belíssimo trabalho, tanto no quesito recomposição artística, quando na idéia de satirizar os clássicos. Além de uma grande jogada de marketing, é sobretudo, uma estupenda crítica a industria americana. Pois como o próprio título expressa “Hollywood is Dead”. Quando li isso logo pensei nessa fase negra de remakes e adaptações de idéias já existentes que somos obrigados a degustar. Infelizmente a falta de criatividade e bons roteiros consomem salas de cinema repletas de 3D, alguns sem menor conteúdo.

Matt Busch

Como citei anteriormente, cada pôster é re-criado manualmente através da pintura de telas, não existe a utilização do famoso “zumbilizador”, o photoshop. O responsável por essa grande idéia é o ilustrador americano Matt Busch. Por essa e outras razões as pinturas são magníficas. Matt já é um veterano na arte da ilustração. Já ilustrou vários posters, livros, capas de discos e todo tipo de material gráfico imaginável. É autor de grandes cartazes como os do filme “O Senhor dos Anéis”, “Star Wars”, “O Corvo” e “Os Intocáveis”. Também foi responsável por alguns trabalhos para bandas como Black Sabbath, Alice Cooper, Motley Crue e Poison.

No entanto, a idéia para recriar tais posters surgiu em meados de 2006, quando o ilustrador trabalhava nos HQs “A Noite dos Mortos-Vivos”, série em quadrinho publicada pela Avatar Press, com roteiros do diretor George A. Romero.

Chega de palavras, confiram as imagens!

Se você ficou emocionado com essa postagem ou tem uma simpatia muito grande pelos escritos desse humilde autor, aceito doações em camisetas ou pôsteres!...hehehe

Hollywood is Dead - www.hollywood-is-dead.com

Vale a pena ler também...

- Poster também é arte I

- Poster também é arte II

Artigo dedicados aos amigos (apreciadores!) CDX, Jeffão, Demir e Ricardo

Peripécias Tarantinescas!

2011-02-09T10:24:00.006-02:00

As referências de Quentin Tarantino em Kill Bill

[Cultura e Entretenimento]

Não é segredo para ninguém que os filmes de Quentin Tarantino são um apanhado de vários filmes B dos anos 70. O próprio já confessou que fez sua escola de cinema quando trabalhava em uma vídeolocadora na Califórnia, onde assistia repetidamente vários filmes ao dia.

Na saga Kill Bill não é diferente. São visíveis as influências. Como exemplo, o filme japonês “Lady Snowblood (1973)” onde uma mulher busca vingança, assassinando meticulosamente cada membro de um grupo de caras maus que acabaram com sua honra. Na mesma lógica segue o paralelo com o filme “A Noiva Estava de Preto (1968)”, de François Truffaut, no qual cinco homens tornam uma jovem viúva no dia de seu casamento. Por esses dois filmes já vemos a síntese do roteiro de Kill Bill Volume 1.

Mas o que poderia parecer um plágio ou uma lastimável refilmagem, em mãos hábeis, se revela uma verdadeira "sinfonia com várias referências musicais". Pois o que torna os filmes de Quentin Tarantino uma obra Cult é justamente a habilidade que o diretor possui para recriar “o velho” com um novo ritmo, tanto em fotografia, quando em trilha sonora. O resultado final são cenas de ação editadas com rigor, grandes atuações, diálogos inteligentes, e uma trilha sonora emocionante (principalmente pós-60) de músicas que narram a ação composta. Tornando a obra final uma crítica contemporânea, cheia de substâncias e movimentos, além de fortes referências obscuras à cultura de uma minoria.

O mais interessante é juntar todas essas referências e comparar com o que Tarantino fez. Essa é a razão desde postagem diante do vídeo a seguir. Nesta edição feita com muita qualidade vocês poderão ver as cenas tarantinescas e suas influencias cinematográficas. Vamos lá!

Grandes Idéias em Poucos Minutos!

2011-02-08T11:17:00.001-02:00

Bird Box Studio

[Cultura e Entretenimento]

Olá leitores(as) do Imemorável!

Para deixar essa semana mais relaxante, retorno ativa postando short films que deram origem a essa série de posts intitulados. “Grandes idéias em poucos minutos”. Desta vez venho com a empresa Bird Box Studio, confira o site (www.birdboxstudio.com), que traz animações mais do que bacanas em co-parceria com a BBC.

A empresa define seu trabalho da seguinte forma:
"Bird Box é um novo estúdio em Londres, especializada na criação de curto, engraçado filmes de animação, onde um conceito forte e execução inteligente é fundamental. "
[traduzido do site oficial]

1. Ice Creams

2. Guard

3. Bird Box UFO

4. Blue

5. Duel

MONTY PYTHON

2011-01-18T22:38:00.012-02:00

O clássico humor britânico, non-sense e satírico

[Cultura e Entretenimento]

Em recordações memoráveis, quando as madrugadas televisivas não eram possuídas pelos pastores e sua orla de demônios. Podíamos passar as horas noturnas assistindo uma infinidade de “coisas” curiosas que geralmente não passavam a luz do sol. E apesar de nunca ter bebido o sangue de ninguém, eu sempre tive hábitos noturnos para a aflição de minha mãe. Como o sono sempre era uma possibilidade distante; lembrando que essa narrativa é retrato de uns 18 anos atrás, não havia ao meu alcance a ociosidade do computador e nem o vício do vídeo-game; restava-me então a TV. Eu passava as horas turvas da noite “zapiando” entre um canal e outro, procurando alguns filmes bizarros e cenas de patifaria (leia-se SEXO). Sim, pois mesmo no começo dos anos 90 ter uma mulher nua sem ter que pagar ou jogar uma cantada não era nada fácil. Nada comparado a hoje onde a molecada só falta engravidar o monitor.

RETRÔ NAS MADRUGADAS

Enfim, foi em uma dessas noites que conheci um filme que soou na época com o título muito estranho aos meus ouvidos: “Monty Python - Em Busca do Cálice Sagrado (título original: Monty Python and the Holy Grail)”. O título era muito bizarro, não tinha ligação com nenhuma coisa que eu pudesse imaginar. Pensei: “Quem ou o que é essa porra Monty Python?”. A curiosidade que matou o gato, fez com que eu abraçasse o bule de café e deixasse para o dia seguinte a idéia que logo de manhã eu teria uma prova terrível de Matemática com o Hitler da aritmética, professor João Campos. (Hoje uma pessoa muito estimada, mas os amigos de longa data entenderam a comicidade do que estou dizendo... “risadas”). A qualquer custo, inclusive uma nota baixa, que não era nada difícil, eu queria saber sobre o que se tratava Monty Python - Em Busca do Cálice Sagrado.

Monty Python - Em Busca do Cálice Sagrado

Ao assistir descobri que se tratava da sátira mais cômica, bizarra “non-sense” e incomum que eu já havia visto. O filme em si satiriza a história do rei Arthur e seus Cavaleiros da Távola Redonda. Repleto de personagens e diálogos extremamente absurdos, sem deixar de lado em alguns casos uma crítica satírica repleta de humor negro, Monty Python foi a coisa mais incrível e absurda que assisti na época (e ainda continua sendo). Ainda me lembro de algumas cenas clássicas do filme como enigma da ponte, o encontro com os cavaleiros que dizem Ní, a luta contra o cavaleiro negro e os diálogos sobre as andorinhas.

Monty Python - A Vida de Brian

Porém, foi com o surgimento do vídeo-cassete que a coisa melhorou. Meu irmão havia comprado um vídeo de duas cabeças, ou seja, reproduz e rebobina a fita VHS. Nós fizemos uma ficha na maior vídeo-locadora da cidade, a lendária Video Arte Club do Brasil. Foi uma festa, ganhei uma carteirinha e uma bolsa para carregar as fitas. Só não imaginava que iria encontrar outro filme com o título Python. Desta vez “Monty Python – A Vida de Brian”. Sensacional! O filme conta a história de um homem (O próprio Brian) que nasceu ao lado da manjedoura de Jesus Cristo, e por esse motivo passa a vida inteira sendo confundido com o próprio. Para os “mais sensíveis” o filme foi considerado ofensivo e blasfemo. No entanto “A Vida de Brian” satiriza todo o folclore, fanatismo e ignorância contida entre o duelo de crenças e culturas em “nome de um único deus verdadeiro”.

MONTY PYTHON: A ORIGEM

O Monty Python é formado pelos ingleses John Cleese, Terry Jones, Graham Chapman, Michael Palin, Eric Idle e o único americano Terry Gillian, cartunista que trabalhava na Revista Mad. Infelizmente o grupo terminou em 1989 com a morte prematura do ator Graham Chapman, aos 48 anos de idade. O comediante faleceu por causa de um câncer que lhe tomou a garganta e parte da coluna. Depois desta perda irreparável, cada um dos integrantes seguiu o seu percurso individual.

Esquerda para direita: John Cleese,Graham Chapman,Terry Jones,Eric Idle. Frente: Michael Palin

Vale citar aqui, dois nomes importantes que seguiram vida após Monty Python. O primeiro deles é Terry Gillian que optou pela carreira de diretor. Lembrando o artigo que publiquei neste blog sobre o filme "O Mundo Imaginário do Dr Parnassus (2009)” (leia AQUI). Gilliam é pai de alguns clássicos do cinema como "Brazil - O Filme (1985)", "O Pescador de Ilusões (1991)", "Os 12 Macacos (1995)" e o trabalho mais pop de sua filmografia "Os Irmãos Grimm (2005)". O segundo que continua ativa é o comediante John Cleese que atualmente é bem lembrando devido ao personagem o fantasma Nick-Quase-Sem-Cabeça do filme “Harry Potter e a pedra filosofal (2001)” e “Harry Potter e a câmara secreta (2002)".

O grupo começou com pequenos roteiros para “sketchs” de teatro (pequenas cenas de humor) e logo a emissora BBC, vendo a genialidade da coisa, resolveu dar vida aquela a obra financiando o surgimento de um programa. Assim nasceu “Monty Python's Flying Circus” série humorística que contou com 4 temporadas entre 1969 a 1974. O nome Monty Python foi escolhido porque eles o consideraram engraçado. No documentário Live at Aspen, de 1998, o grupo revelou como o nome foi escolhido. Monty veio em tributo a Lord Montgomery, um lendário general britânico da II Guerra Mundial. Python surgiu, pois eles decidiram ter uma palavra que também soasse evasiva, e essa pareceu perfeita.

O sucesso do Monty Python teve um fator único em seu período: inovação. Os sketchs do grupo eram compostos por um novo estilo de texto e representação, absurdamente anárquico e pautado pelo completo surrealismo das cenas conhecido como Non-sense ("sem sentido", em inglês). A expressão é utilizada para classificar um estilo característico de humor perturbado e sem sentido, que pode aparecer em diversas artes. O grupo foi um dos propulsores dessa nova forma de expressão para o humor, mas também podemos encontrar essa expressão nas artes literárias. Como nos trabalhos do escritor Lewis Caroll autor de "Alice no País das Maravilhas" e também do escritor Edward Lear.

O Monty Python contou com algumas participações especiais em sua longa vida. Celebridades como Steve Martin, Douglas Adams (autor da série O Guia do Mochileiro das Galáxias), Rowan Atkinson (ator que interpreta Mr. Bean) e os ex-beatles Ringo Starr e George Harrison. Sua influência na comédia chegou a ser comparada ao impacto causado na música pelos Beatles. E não é para menos, o grupo influenciou o surgimento de programas como South Park, Adult Swim e TV Pirata apresentada pela rede globo nos anos 80.

AS CENAS CLÁSSICAS DE MONTY PYTHON
Sketch e trechos clássicos de filmes

Esta semana assisti o engraçadíssimo “Monty Python – O Sentido da Vida”. Rindo da comicidade de algumas sátiras do filme, resolvi escrever esse artigo e postar algumas cenas (pois há várias no youtube) que considero clássicas. Vamos lá

A Vida de Brian
(Terry Jones, 1979)

Sem dúvida um clássico! Quer conhecer Monty Python? Siga essa ordem de filmes que estou postando trechos. Começando com a “A vida de Brian” e a clássica cena do apedrejamento. Uma sátira as práticas e aos mandamentos “divinos”. Escolhi dublado, pois justamente assim conheci. Apesar de atualmente preferir filmes legendados, devemos considerar que o Brasil é o país que tem um alto nível nas qualidades nas dublagens. Cito como referencia “Os Simpsons”, atualmente “Todo Mundo Odeia o Cris” e o clássico “De Volta para o Futuro”. Além de ótimos dubladores, contamos com grandes atores.

Mas vamos a cena do Apedrejamento, notem que as vozes são conhecidas, encontramos as vozes do Kiko e Professor Girafales.

Monty Python Em Busca do Cálice Sagrado

(Terry Gilliam e Terry Jones, 1975)

Essa é uma das cenas hilárias, além das citadas anteriormente. Este é o momento onde o Rei Arthur em busca de seus cavaleiros encontra o "terrível" Cavaleiro Negro.

Monty Python - O Sentido da Vida
(Terry Jones e Terry Gilliam, 1983)

Em “O Sentido da Vida” o filme narra sarcasticamente todas as etapas da vida, do nascimento até a morte. Há também algumas sátiras escatológicas, fazendo piadas sobre sexo e vômitos (Quem assistiu com certeza se lembra da famosa cena do gordo). Porém o ponto crucial é uma discussão sobre a natalidade diante das opiniões (leia-se imposições) religiosas. Surge um paralelo cômico entre Cristãos e Protestantes, onde os seguidores da doutrina cristã são mais rígidos e contra o uso da camisinha. É claro que isso em 1983, agora o Papa Bento “Hannibal” XVI liberou uso, só não para aqueles que dão uma de Ronaldo "fenômeno", afim de "namorar" um Richarlyson atrás do muro. Nesta idéia de que todo o sêmen é sagrado, independente da taxa de natalidade, surge a bela canção “Every sperm is sacred”

A Piada Mais Engraçada do Mundo
(série: Monty Pythons Flying Circus, 1969)

E por ultimo, porém, não menos importante o sketch “A Piada Mais Engraçada do Mundo” do programa “Monty Pythons Flying Circus” que deu origem as idéias e filmografias do grupo Monty Python. Esse sketch satiriza a Segunda Guerra Mundial e Adolf Hitler.

Monty Pythons Flying Circus

No período em que escrevia este artigo encontrei as 4 temporadas da série exibida pela BBC - Monty Pythons Flying Circus. Assisti a primeira temporada. Algumas piadas são de época, outras com um nível de cultura e intelectualidade incomum e muitas cenas satíricas no caminho do sketch “A Piada Mais Engraçada do Mundo”. Para quem já conhece Monty Python recomendo para conhecer a origem da coisa. Para aqueles que não, recomendo que vejam a forma mais polida das idéias nos filmes citados anteriormente.

Bom divertimento!

DOWNLOAD

Todas as temporadas de Monty Pythons Flying Circus

Torrent + Legendas em Português

Fido (2006) [cine B]

2010-12-16T21:27:00.007-02:00

Um filme de zumbi politizado
[Artigo, Análise, Download]

Confesso que sou muito chato para filmes com temática sobre ZUMBIS, não por ter aversão a eles, mas justamente por ser um apreciador irreversível dessa manifestação incomum de idéias. Desde criança, quando assistia aos filmes de zumbis, sempre pensava no caos que uma invasão de mortos-vivos causaria a estabilidade social. Imaginava (e ainda imagino) como homem civilizado, ou como prefiro definir, condicionado a “civilidade social”, abandonaria todas as suas crenças e regras; agarrar-se-ia a lei do mais forte para assim, eximir-se extinção diante da morte.

Afinal, o homem que conhecemos atualmente, é apenas um “mascote” dos costumes adquiridos, fruto da ociosidade evolutiva do ser e escravo das condições impostas pelo sistema. Infelizmente a maioria de nós, humanos, está acostumada à praticidade, aos valores baseados na presunçosa e condicionada imagem social. Então, imagine uma invasão de mortos-vivos. Reflita como essa catástrofe social colocaria todos os valores ínfimos à beira da decadência. Afinal, diante da sobrevivência não haveria rico ou pobre, nem deus ou diabo; apenas nós, contra tudo aquilo que um dia fomos e breve nos “tornaremos”: mortos-vivos, devoradores de carne humana.


The Return of Living Dead (1985)

Portanto, apesar de toda idéia pré-determinada e preconceituosa sobre os filmes do gênero, eles trazem uma reflexão incomum, algo que vai muito além da podridão, dilaceração, maceração e carnificina. É claro, realmente existem muitos filmes ruins, eu já assisti praticamente todos para saber quais são os ditos infelizes. Quais são aqueles que não passam de uma mera contagem progressiva de corpos e mutilações diversas, distantes daqueles outros que realmente abordam assuntos específicos, com conflitos sociais e comportamentais, sempre equilibrados em uma dinâmica inteligente de personagens.

É claro, não é propriamente necessário ser um filme do Buñuel, um aclamado “O Anjo Exterminador (1962)”, para ser “Cult”. Como também não devemos creditar que a temática define a qualidade da obra. Mas tudo depende da qualidade do roteiro e o que de fato o diretor deseja expressar independente da atmosfera fantasiosa.

Afinal a morte é um enigma. As religiões dizem tudo sobre ela, mas jamais desmistificaram o seu segredo fúnebre, o que há além do umbral invisível, além de nossas supersticiosas e limitadas especulações. E se de fato, o que concerne aos segredos pós-morte fosse realmente o que especulam, todas as religiões concordariam em um ponto em comum. Mas as religiões não passam de um fruto da morte, uma pluralidade de ritos desconexos para aceitar o conceito natural da inexistência. Talvez, por não aceitar ou não compreender essa lei natural, nós humanos, criamos ritos e significados para essa dama vestes escuras. Portanto, trazer um cadáver a vida como fazem os filmes de horror, é questionar tal conceito, pensar no impacto da inexistência do ser em nossas vidas, mesmo que seja uma forma ímpar de reflexão.

E para os mais racionais que não se ofendem com algo tão natural, sabem interpretar e assimilar esse processo os filmes de zumbis não passam de um mero atrativo cultural. Afinal nem todos os filmes de zumbis (eu diria a maioria) são compostos de pura tragédia. Na verdade alguns são bem divertidos como é o caso do filme “Fido (2006)”, dirigido por Andrew Currie, que traz de maneira inteligente e engraçada tudo aquilo que podemos conceber sobre o processo mortuário. Indagando de forma criativa como nós, humanos, adaptamos as adversidades sociais a nossa realidade, tornando-as parte do cotidiano.

A EVOLUÇÃO DOS MORTOS-VIVOS
Novas idéias e maneiras inteligentes de narrar à extinção raça humana

Nunca gostei dos filmes de zumbis uniformes: um grupo de pessoas, matança em geral e final sem nexo. Isso só é bacana quando se tem 13 anos. No entanto, a falta de criatividade dos roteiristas no final da década 80 desvalorizou muito a temática, levando os filmes de zumbis a boca do lixo, decaindo além da marginalidade digna do underground que propiciaram clássicos como “Evil Dead (1981)” do Sam Raimi e Bruce Campbell.

Com a ascensão dos filmes do diretor George A. Romero em meados dos anos 70, muitos produtores caça níquel seguiram a sua idéia, porém, acabaram produzindo filmes sofríveis até para o mercado específico. Alguns deles nem valem a menção devido à pobreza de seu conteúdo. Infelizmente devido a essas “podreiras” sem nem um pingo de humor o gênero foi sendo marginalizado, caindo na decadência total, levando o próprio Romero abandonar o barco. O diretor chegou a fazer algumas tentativas em outras temáticas como o filme “Bruiser (2000)”, com o título em português “A Máscaras do Terror”. O filme tentou parecer “Um Dia de Fúria”, aquele com ator Michael Douglas, mas o resultado não foi lá àquelas coisas.

George A. Romero (2010)

Para quem desconhece, George A. Romero é o diretor que estabeleceu discussões morais nos filmes com a temática “mortos-vivos”. Brincando com a aversão do público sobre a representação prática da morte, questionou muitas vezes o fato de como a humanidade irá encarar o ruir da própria espécie. Em seus filmes o diretor afasta a raça humana da soberania que a própria julga ter sobre as outras espécies, colocando-a sobre ameaça da extinção diante de algo tão banal como um vírus. Demonstra através de seus mortos que somos apenas mais um organismo, dentre bilhões que já existiram e foram extintos, viventes nesse precípuo organismo maior chamado planeta terra.

E se pensarmos um pouco, realmente nós somos apenas um ínfimo organismo em uma imensidão cósmica. A existência da raça humana não faz a mínima diferença para plena destruição planetária como julga nossa arrogância universal. Infelizmente, fantasiamos catástrofes, imaginamos que nós somos a ameaça suprema diante das causas que fará ruir o planeta azul para todo o sempre. No entanto, a destruição que provocamos em nosso meio apenas refletirá no fim de nossa própria espécie e na vida que nos permeia, nada mais. Afinal o nosso planeta, como um organismo vivo maior, encontrará defesas naturais e expurgará de seus órgãos os minúsculos vírus causadores dessas pequenas chagas. Ele já fez isso há bilhões de anos atrás, fará novamente. É empáfia pressupor que um organismo de bilhões de anos de existência, que já suportou chuvas meteóricas, ácidas, ebulições vulcânicas e teve em seu útero milhares de outros seres vivos desconhecidos por nós, já extintos; é idiotice supor que este mesmo organismo irá ruir pela existência da raça humana. Nós, humanos, que fazemos parte de 1 milésimo de segundo de sua história universal, não faremos a diferença. Os zumbis de Romero pressupõem essa simples lógica: a nossa arrogância e inconsciência.

Antes de Romero os filmes de zumbis retratavam os mortos-vivos apenas como mostros comedores de carne humana. Romero recompôs a idéia, utilizou os zumbis com ponto de uma narrativa sobre a sociedade de consumo. Em seus filmes os mortos-vivos são a representação simbólica da inconsciência humana diante do meio em que vive. Em um de seus clássicos, “Dawn of the Dead (1978)”, divulgado aqui no Brasil como “Despertar dos Mortos”, o diretor narra a história de um grupo de jovens que se refugiam em um shopping. Com o passar dos dias os sobreviventes percebem que os zumbis, extintivamente, retornam a certos lugares comuns em vida e lá ficam apenas vagando como sombras de uma história esquecida. Os sobreviventes começam a analisar o comportamento das criaturas e percebem que elas reproduzem instintivamente os hábitos de consumo que tinham em vida.

Dawn of the Dead (1978)

Apesar de parecer precário, pois os zumbis de 1970 parecem mais anêmicos do que mortos-vivos, “Dawn of the Dead (1978)” se tornou um clássico justamente por abordar alguns pontos comportamentais de nossa sociedade. Foi um dos primeiros filmes que mostrou a morte de crianças, apesar de a cena parecer um tanto cômica. Foi um passo para novas perspectivas com a temática “zumbis”.

Já o ano 2000 foi o marco para o retorno dos zumbis com a origem de roteiros bem elaborados e grandes produções. Em 2002 entrou em cartaz “28 days later (Extermínio)”, produção de baixo orçamento oriunda direto do Reino Unido, dirigido por Danny Boyle e escrito por Alex Garland. Apesar da sonoridade “baixo orçamento” o filme é magnífico, tanto em efeitos visuais, argumentação, trama e composição dos personagens. O filme resgatou a idéia primogênita contida na antologia de George Romero. Com isso, bastou que os dólares começassem a entrar nos cofres da Fox com a produção britânica para que a Universal anunciasse o retorno de “Dawn of the Dead”.

28 days later (2002)

A produtora chamou James Gunn para adaptar o roteiro de George A. Romero aos tempos atuais. Na direção convocou o estreante em longas-metragens Zack Snyder. Então em 2004 surgiu o remake de de “Dawn of the Dead (2004)”, apresentado aqui no Brasil com o título “Madrugada dos Mortos”. O filme trouxe várias discussões raciais e religiosas, inclusive trazendo a controvérsia que gerou muita discussão entre os cinéfilos “Os zumbis podem correr?”. Para quem não assistiu, recomendo o DVD com a versão estendida do diretor, além do filme vem com um interessantíssimo making off e entrevistas. O filme superou todas as minhas expectativas e na minha opinião, Zack Snyder, se consagrou um excelente diretor.

“28 days later (2002)” e o retorno de “Dawn of the Dead (2004)” abriram as portas para grandes e inovadoras produções. George Romero voltou ativa em 2005 lançando “Land of the Dead (Terra dos Mortos)” em parceria com as produtoras do Canadá e da França. O filme da continuidade a saga sobre a sobrevivência humana, só que desta vez com uma circunstância incomum, o diretor aborda a narrativa de um determinado grupo de zumbis que despertam a consciência sobre a sua condição, reivindicando seus direitos e buscando uma certa “liberdade”. O filme traz a idéia das grandes empresas que exploram o caos criando uma comunidade alternativa para quem possa pagar tal luxo, sendo que do outro lado sobrevivem os excluídos, humanos remanescentes do caos, viventes em guetos. A trama evolui com a luta dessas classes distintas pelo direito a sobrevivência, brincando com a idéia de um estado laico.

Dawn of the Dead (2004)

Após essa abertura no cenário do cinema de horror, surgiram outros grandes filmes, como o fabuloso “REC (2007)” dos espanhóis Jaume Balagueró e Paco Plaza. Considero este filme um dos trabalhos mais incríveis da atualidade que souberam utilizar à temática “contagio por vírus” e “mortos-vivos”. O filme utiliza como narrativa o método similar ao dos documentários, empregando elementos muito inteligentes na argumentação dos fatos, compondo a trama perfeitamente, digna dos suspenses de Alfred Hitchcock. Mais incrível que isso, somente o filme produzido com 70 dólares do diretor britânico Marc Price, “Colin (2009)”. A produção se destaca por ter sido o primeiro filme a abordar uma invasão zumbi pela perspectiva de um zumbi e não pelos sobreviventes. O filme é poético e melancólico, pois com o transcorrer da história, os fatos vão se encaixando e o telespectador vai conhecendo a natureza humana oculta no morto-vivo – histórias, esperanças, pessoas e sentimentos que ele deixou para trás.

É claro que comentei apenas os filmes de crucial valor. Eu teria que escrever um livro sobre o assunto para comentar os outros que fizeram a diferença. Como podemos ver o século 21 trouxe novas perspectivas para essa temática tão singular. Mas mesmo assim, o humor e zumbis, nunca deram um resultado sério, apenas produções cômicas ou lastimáveis demais. Por isso apresento a vocês, amigos(as) leitores(ras), FIDO uma interessante perspectiva sobre a idéia de mesclar humor, zumbis e um roteiro incomum.

FIDO
O Mascote Zumbi

A história se inicia com uma pequena narrativa, quando uma nuvem de radiação espacial envolveu o planeta Terra trazendo os mortos de volta a vida. Ninguém está mais seguro, qualquer ser vivo, principalmente humanos, são devorados por essas criaturas. Teve-se início a uma grande guerra que foi vencida pelos humanos quando estes descobriram que os zumbis não conseguiam sobreviver se fossem decapitados, cremados ou tivessem seu cérebro esmagado. Foi então que a corporação governamental, a Zomcon, desenvolveu uma coleira movida a controle remoto capaz de desprover os mortos-vivos de seu instinto assassino. A partir daí, quase toda família de classe média passou a ter o seu escravo zumbi escravo para realizar as tarefas do lar.

O fato mais interessante dessa narrativa é o período histórico em que ela se apresenta. Pouquíssimos períodos da história do século XX serviram de cenário para tantos filmes como os anos 50. Isso devido à identidade visual e cultural que esta época representa para os americanos, principalmente, devido à prosperidade econômica pós-guerra que propiciou o aumento do consumo, a expansão dos subúrbios e a disseminação do modelo de família feliz idealizada, vistas em muitos filmes e seriados. No entanto, essa imagem de desenvolvimento oculta sérios problemas como violência doméstica, pais negligentes, aumento da delinqüência juvenil, falso moralismo e a obsessão por commodities como televisores, casas e carros.

Em “Fido (2006)” os zumbis fazem parte dos tais “commodities” de consumo. Após o controle da invasão dos zumbis pela empresa Zomcon, aqueles que não foram exterminados, serviram as necessidades dos viventes. Com a coleira de controle de instinto muitos zumbis foram adaptados para executar tarefas secundárias como entregar jornais, limpar a rua, passear com o cachorro e ser uma espécie de “empregado faz-tudo” para a família que adquirisse um modelo. Tornando-se mais um “eletrodoméstico”.

É em meio a esse panorama caótico e surreal que se desenrola a bizarra (e engraçada) história de amizade entre o garoto Timmy Robinson (K’Sun Ray) e o zumbi Fido (Billy Conelly). Timmy é um garoto solitário que sofre bullying na escola e não recebe muita atenção de seu pai (Dylan Baker). Quando o chefe de segurança da Zomcon (Henry Czerny) se muda para uma casa na vizinhança, a mãe de Timmy (Carrie-Anne Moss) adquire um escravo zumbi contra a vontade de seu marido, para que os novos vizinhos não os achem esquisitos por serem os únicos do bairro a não ter um.

O que se segue é uma brilhante paródia de filmes no estilo “um garoto e o seu cachorro” trabalhando o tema de maneira sórdida e cômica. É tão engraçado e singular, que posso dizer que FIDO é o fruto de algum zumbi bastardo de George Romero com a cadela Lassie. O filme ainda encontra espaço para expor as mazelas da sociedade estadunidense dos anos 50 e da atualidade. Escravidão, racismo, imigração e porte de armas são algumas das muitas questões que podem ser levantadas ao longo da narrativa.

Um dos personagens mais interessantes, pois todos de certa forma têm um certo carisma, porém, o destaque peculiar vai para a zumbi (ou poderíamos dizer “zumboa”) Tammy, interpretado pela belíssima atriz Sonja Bennett. Ela é uma espécie de “esposa” do solteirão cômico, Sr. Theopolis, interpretado pelo ator Tim Blake Nelson. Não fica muito evidente a natureza dos fatos, se Tammy era esposa do Sr. Theopolis ou se o Sr. Theopolis adquiriu a distinta para abrandar a sua solidão corpórea. No entanto, o que torna a análise interessante, apesar de não ser algo explícito, é a analogia feita com a necrofilia ou inventividade humana para hábitos esquisitos.

Tammy e Sr. Theopolis

Imagine comigo a possibilidade remota de uma catástrofe social dessa natureza. Com certeza, pois a natureza humana é bizarra, se houvesse tal possibilidade, veríamos nas lojas, ao invés de bonecas infláveis, “zumboas” (com todo humor que esse texto me permite) em estado degustável expostas a venda. A zumbi, Tammy, não representa apenas essa possibilidade bizarra, mas a realidade atual, o fato de que toda mulher não passa de um objeto de consumo. Nossa sociedade é machista e os meios de consumo vendem essa ideal, além das próprias mulheres, que esculpem o corpo para alcançar o ideal estético social. Algo que vai muito além da estética voltada para saúde física. Vide a imensa gama de “mulheres frutas”, forjadas como “artistas” que não passam de produto para consumo.

Mas voltando aos zumbis. Dirigido pelo canadense Andrew Currie, Fido – O Mascote é um filme divertido e inteligente que não se leva a sério demais e nem debanda completamente para o lado do besteirol como fez o lastimável “Todo Mundo Quase Morto (2004)”. Um verdadeiro lixo que tentou fazer humor utilizando à temática zumbis.

Humor tem que ser sarcástico e inteligente para ser digno, do contrário o resultado é mais uma franquia lixo como “Pânico” e filmes pastelões típicos. Quando se trata de comédia com algo de “terror”, humor negro, prefiro os filmes trashs e gore da década de 80 como “Braindead (Fome Animal/ 1992)”, “Basket Case (1982)”, “Re-animator (1985)” dentre muitos outros clássicos B insubstituíveis. O diretor Andrew Currie, provou que não importa a sincronia que se pretende seguir em um filme de zumbi, o importante é uma história criativa seguida de um roteiro inteligente de igual valor.

TRAILER

FICHA TÉCNICA:

Título Original: Fido
Gênero: Comédia
Ano de Lançamento: (Canadá) 2006
Direção: Andrew Currie

DOWNLOAD

Torrent (Filme + Legenda)

2010-12-08T23:17:00.003-02:00

A ARTE DE DOMINAR AS SOMBRAS

Caravaggio, filosofia e arte

(Arte e Fotografia)

Meu fascínio sobre certos aspectos das belas-artes vão muito além da estética conceitual. Admiro a dualidade da natureza e o equilíbrio desses opostos que a compõem. E quando me refiro “A natureza” estou falando da manifestação expressa da imagem, seja em pintura ou fotografia. Precisamente a beleza oculta das sombras, tão importante quando a própria luz. Por isso considero a sombra crucial, mais que tudo a memória da luz.

A SOMBRA ENTRE A HUMANIDADE
O mistério supersticioso e a beleza abstrata das sombras

A sombra é um mistério que fascina a humanidade e a acompanha em sua evolução. No mundo em que vivemos, ela é indispensável, acompanhada da luz, ambas representam a força dualística da imagem. Sendo assim, a força dos opostos, Sombra e Luz, são importantes para que a natureza visível exista. Essa lei vital não vale apenas para os campos da arte. Os opostos constituem o equilíbrio em toda lei do universo físico, atômico e comportamental.

Quando afirmo tal pensamento sempre me recordo de uma frase do filósofo e ocultista, Eliphas Lévi, que dizia: “Para fazer visível à luz, Deus somente supôs a sombra. Para manifestar a verdade, fez possível a dúvida. A sombra é a repulsão da luz, e a possibilidade do erro é necessária para a manifestação temporal da verdade." Apesar do demasiado teor de esoterismo em suas palavras, Eliphas apenas afirmou uma verdade imutável, válida para a vida e contida nas belas-artes. Ou seja, o equilíbrio das medidas consiste no domínio das mesmas, conhecendo as suas ambivalências para conhecer a "beleza" em si.

De Platão a Galileu, a busca sobre os segredos que compõem as sombras transcende áreas do estudo humano como a astronomia, psicologia, matemática, geografia e a própria pintura. Mas é apenas na pintura que consiste meu foco. Assim sendo, não poderia deixar de mencionar um dos artistas de grande valor, indispensável se o assunto é sombra e luz – Caravaggio. Alguém que realmente dominou as características da luz e das sombras.

CARAVAGGIO

O MESTRE DAS SOMBRAS

Michelangelo Merisi da Caravaggio foi um pintor italiano que dominou com precisão a arte de manipular a luz e as sobras em suas pinturas. O artista era considerado enigmático, fascinante e perigoso. De fato a sua vida era um verdadeiro caos, sempre oscilando entre brigas, bebedeiras e fugas. Um farrista inconseqüente e irremediável. Tanto é que uma de suas modestas diversões era travar brigas nos pulgueiros da cidade, desafiar a todos. Por seus atos incoerentes, teve a cabeça a prêmio e a policia em seu encalço. Vivendo sempre a margem da existência, apesar do notável talento, mesmo assim o dinheiro sempre lhe faltava.

(Judith Beheading Holofernes)

Mas era sempre nestes ambientes inóspitos, entre os humanos e dejetos existenciais que Caravaggio transfigurava o caos em arte. O pintor tomava emprestada a imagem de pessoas comuns das ruas de Roma para retratar em seus quadros a vida, a dor ou profanação. Sua inspiração surge em volto aos comerciantes, prostitutas, marinheiros, todo o tipo de pessoas que não eram de nobre estirpe e que tivessem grande expressão. Ele transformava esses espectros sociais em imagens míticas do consciente coletivo como “A Virgem Maria e seus apóstolos”.

Roga uma velha lenda que o artista, em momentos de ébria loucura, levou os seus conceitos estéticos às últimas conseqüências. O pintor foi acusado de usar o corpo de uma prostituta fisgada morta do rio Tibre para pintar “A Morte da Virgem”.

Retratar o aspecto mundano dos eventos bíblicos, usando o povo comum das ruas de Roma é uma das características mais imponentes das obras de Caravaggio.

(A Virgem Morta)

Talvez por conhecer em demasia o caos, Caravaggio dominou a estética que reside em sua propriedade. Foi através da pintura que ele soube manipular e expressar a dualidade entre a sombra e a luz, criando uma dimensão de impacto realista tão características de seus quadros. E ao usar um fundo sempre raso, obscuro, muitas vezes totalmente negro, agrupar a cena em primeiro plano com focos intenso de luz sobre os detalhes, geralmente os rostos, Caravaggio não apenas acentuou as formas, mas deu vida as expressões.

(São Jerônimo)

Em “A Ceia em casa de Emmaus” tais características são bem evidentes. Os efeitos de iluminação que Caravaggio criou receberam um nome específico dentro deste conceito de pintura, sombra e luz: O Tenebrismo.

(A Ceia em casa de Emmaus)

Michelangelo Merisi da Caravaggio (Milão, 29 de Setembro de 1571 – Porto Ercole, comuna de Monte Argentario, 18 de Julho de 1610) morreu jovem, aos 38 anos. Deixou um legado, pinturas tão vivas quanto as histórias medíocres que faziam parte de sua vida mundana. Através das sombras o pintor compôs uma venustidade tenebrosa, pinturas como uma perfeição ímpar e de uma beleza incomum.

LINKS

Caravaggio.com
Art Gallery: Caravaggio
Olga's Gallery
WebMuseum

Antologia: Películas para no dormir Part I [cine b]

2010-11-27T22:54:00.007-02:00

Olá caros amigos(as), leitores(ras) do Imemorável! Após longa demora, retorno ao teclado, retorno a velha mesa surrada para escrever mais um artigo. E desta vez venho com um grande achado dos nossos amigos latinos!

Poucos sabem, suponho, mas sou fissurado por séries de cunho fantásticas. Jurei milhares de vezes, postar aqui, sobre algumas dessas pequenas maravilhas, alguns bem populares, outras nem tanto, mas todas de enorme qualidade, principalmente “roteirísticas”. Mas como sei que cada artigo que escrevo é quase um livro de tão extenso, tal idéia acaba se prorrogando entre meus afazeres, leituras, bebemorações, cinefilísmo diário e combates arcade. No entanto, não poderia deixar de partilhar com vocês essa interessantíssima antologia realizado em 2006 em parceria com a rede de televisão espanhola Telecinco e a produtora Filmax, a série denominada - Películas para no dormir.

PRODUÇÕES PAU BRASIL
Nós já tentamos por aqui... só faltou acreditar.

O que a emissora espanhola fez foi o que eu gostaria de presenciar aqui no Brasil. A união de grandes nomes do cinema nacional, além de roteiristas e escritores. E assim dar principio a uma série televisiva em forma de contos que permeiam narrativas obscuras sobre o desconhecido e o fantástico.

O grande José Mojica Marins (é sou fan do véio!) já idealizou um projeto similar chamado "Além, Muito Além Do Além" uma série exibida na Tv Bandeirantes que estreou em 15 de Dezembro de 1967. A produção, quase independente, teve bons índices de audiência ao canal recém inaugurado. Marins utilizava alunos de sua escola de interpretação nos episódios, sempre assustadores ao estilo Mojica de fazer filmes. Os episódios duravam em média 30 minutos e eram sempre apresentados às sextas-feiras.

A série teve seus memoráveis 35 episódios. Felizmente não sou tão velho assim, mas gostaria de ter presenciado essa produção. Tive conhecimento da mesma através do filme “Trilogia do Terror (1968)” que reúne três histórias inspiradas na finada série.

PELÍCULAS PARA NO DORMIR

Narciso Ibáñez Serrador e os grandes nomes do cinema espanhol

O projeto é inspirado em uma série que abordava temas fantásticos e sobrenaturais chamada Historias Para No Dormir, exibida pela TVE entre 1965 e 1974. A nova antologia é composta por seis episódios produzidos e idealizados pelos cineastas uruguaio, radicado na Espanha, Narciso Ibáñez Serrador.

Narciso Ibáñez Serrador

Narciso Ibáñez é um dos grandes diretores da antiga safra do horror espanhol, pai de grandes filmes como o clássico aterrorizante (leia-se censurado) do cinema – “Quién puede matar a un niño (1976)”. Um filme que entraria facilmente na sub-classificação do gênero horror psicológico “crianças que matam adultos”. Só que ao contrário do filme baseado na obra de Stephen King, “Colheita Maldita”, as crianças Ibáñez são o reflexo do horror real, pois tal película tem uma densa atmosfera de documentário, abordando justamente o questionamento das atrocidades cometidas contra infância em diversas culturas e períodos históricos. Tal película foi causa de censura e cortes por longos anos.

Narciso Ibáñez Serrador traz nessa antologia todo o seu conhecimento como produtor, criando grandes parcerias com outros diretores, roteiristas e atores. Ao contrário de sua premiada produção “Quién puede matar a un niño (1976)”, o cineasta demonstra nesta empreitada para a TV uma série com histórias simples, porém interessantes, com enredos inusitados, alguns eu diria, são uma ode as clássicas séries de terror ao estilo Alfred Hitchcock.

Para aqueles que têm receios das produções fora do universo do capitão América, afirmo que cinema fantástico espanhol aos poucos vem se consolidando como um dos melhores do mundo. Grandes nomes já estão se destacando em Hollywood como o cineasta Guillermo Del Toro (O Labirinto do Fauno e A Espinha do Diabo) e Alejandro Amenábar (Preso na Escuridão e Os Outros). Mais recente, a grande surpresa foi REC (2008), dirigido por Jaume Balagueró e Paco Plaza, que causou furor por onde foi exibido e garantiu a chupinhação americana, a produção cara-de-pau “Quarentena (2008)”.

Com essa modesta introdução você pode esperar bons resultados desta série que não deixa nada a desejar a nenhum enlatado americano da atualidade. São histórias simples, no entanto, com características incomuns. Apague as luzes e vamos a películas...

TRAILER DE DIVULGAÇÃO DA SÉRIE

Como é uma antologia com 6 longas para a TV, apresento a vocês o primeiro deles...

La Habitación del Niño

La Habitación del Niño foi dirigido por Alex de la Iglesia, que tem em sua bagagem filmes de grande qualidade como Ação Mutante (1994), O Dia da Besta (1995) e A Comunidade (2000). O roteiro foi escrito a quatro mãos por Iglesia e Jorge Guerricaechevarría, numa parceria que se repete desde a estréia do cineasta como diretor em 1991, com o curta de horror Mirindas asesinas. O elenco é formado por Leonor Watling (Fale com Ela e Má Educação, de Almodóvar) como Sonia e Javier Gutiérrez como Juan. Gutiérrez interpreta brilhantemente o pai de família cujo caráter e sanidade vai lentamente se deteriorando, num processo semelhante ao sofrido pelo personagem de Jack Nicholson em O Iluminado.

É impossível não lembrar nos primeiros minutos do filme “O Orfanato (2008)” do diretor Juan Antonio Bayona, assim como “A Espinha do Diabo” de Guilhermo Del Toro, tais filmes demonstram uma característica peculiar, especifica dos filmes de horror espanhóis. A interessante capacidade de narrar fatos através da mística do universo infantil, seus medos e assombrações.

Outra marca registrada dos filmes de horror espanhóis são dramas comuns que começam com uma leve trama de suspense. Na trama, pouco tempo depois de mudar-se para a nova casa, o casal vê seu relacionamento abalado quando o marido insiste em provar que os fantasmas que apenas ele vê não são frutos de sua loucura. Juan acaba abandonado pela esposa. Sozinho no casarão, ele mergulha num mundo de horror, presenciando um brutal assassinato dentro de seu próprio lar.

FICHA TÉCNICA

Titulo Original: La habitación del niño
Titulo Português: O Quarto Do Bébe
Titulo Brasileiro: Presença do Mal
Ano: 2006
Realização: Álex de la Iglesia
Argumento: Jorge Guerricaechevarría, Álex de la Iglesia
Atores: Javier Gutiérrez, Leonor Watling, Sancho Gracia, María Asquerino, Antonio Dechent

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Arquivo: Torrent
Fonte: 4shared

Aguarde os próximos artigos e publicações desta antologia: Peliculas para no dormir

Postagem exclusiva

Danilo Gentili - Politicamente Incorreto [Stand-Up Comedy]

2010-10-05T21:33:00.017-03:00

Humor ácido e Inteligente

[Artigo/Crítica/Download]

Aqui no Brasil o humor e a TV são utilizados para distrair a massa de questões ou acontecimentos que são realmente importantes como: a corrupção, desemprego e a péssima utilização dos impostos. A tal liberdade de expressão é uma grande mentira. E o humor pastelão, cheio de chavões repetitivos, piadas recicladas e chacotas servem justamente para isso, dar ao povo o mais do mesmo. Programas como Casseta & Planeta, Zorra Total, Pânico na Tv, A Turma do Didi são como atrativos para distrair macacos.

O POVO E A TV

Pouco se vê das emissoras ditas “abertas” à liberdade de expressão para praticar o humor inteligente e com sagacidade que tanto se espera de um país declarado democrático. Sabemos que os brasileiros não têm o hábito de questionar, cobrar e persistir naquilo que é para bem o comum de todos. O modismo faz parte de nossa cultura, está enraizado no DNA do “modo brasileiro de levar as coisas”.

Existem aqueles que não acreditam, mas a censura atualmente veste as faces da cultura de massa, enfiando em nossas goelas o entretenimento banal. Jamais haverá censura para expressões que promovam a banalização do sexo e a exaltação da libertinagem. Pois essa é a sua função: práticar a inversão das coisas, dar ao povo tudo que é banal. O Brasil é um país em que seus habitantes não têm nenhuma consciência sobre a importância do controle de natalidade. Quando mais ignorante for à massa, mais elas se assemelham aos ratos: procriam, comem e defecam. E por anos, a censura que era rude e cruel, atinge seus objetivos. Como não existe ninguém pensante, nada é questionado, então não há nada para ser censurado. A liberdade virou sinônimo de libertinagem e a única escolha que temos é votar BRANCO ou VERDE, escolher entre a marca C ou D.

"Viva" o grande "guerreiro" Chacrinha

Talvez eu esteja sendo cruel, talvez eu pareça cruel. Mas para o governo é muito confortante que o dito cidadão não tenha acesso a informação e a educação. Desta forma o cidadão comum nunca terá consciência de si mesmo e do próximo. Poderá continuar procriando como ratos, dependendo da assistência social generosamente ofertada pelo governo ou por ONg's que fazem com que o mesmo pague duas vezes para ter aquilo que lhe é de direito.

Com isso a massa de manobra, ignorante e conformada, não se importa com mudanças desde que seus hábitos e desejos primários (e primatas) sejam constantemente saciados. Essa é a função das emissoras abertas, manter a impressão de que tudo está bem como sempre esteve. Por isso seus programas são um ciclo das mesmas coisas vistas anteriormente. E o povo, literalmente não se importa, desde que tenham a novela, o futebol, o churrasco no final de semana e a cachaça de todos os dias. Sei que isso não vale para todos, mas é uma realidade para a grande maioria. Não gosto de pensar que a "TV é o reflexo daquilo que o povo deseja", pois não é. A TV é o reflexo daquilo que nossos governantes esperam que sejamos: Desinformados, idiotamente felizes e sem nenhum senso-crítico.

A INTERNET É SOCIALISTA

As piadas sobre corrupção nos programas humorísticos da TV aberta são literalmente uma piada! O Zorra Total, lixo mestre da Rede Globo, só faz piada sobre corrupção quando as revistas sob o domínio das organizações Marinho já publicaram sobre o assunto. No entanto, toda “construção humorística” não passa de uma típica piada idiota feita para idiotas, escachando apenas a situação cômica em si e não a natureza da corrupção que suscitou o fato. Fora isso o grande foco do humor global não passa de recapitulações sem graça dos episódios de suas novelas ou das “emocionantes” resoluções de seus forjados realities shows. O SBT tem a “Praça é Nossa” e o Silvio Santos, ambos uma injeção de naftalina no celebro. A Record é um “Ctrl+V, Ctrl+C” da Rede Globo. O Edir Macedo adora copiar a global, gostaria de ser igual ao Roberto Marinho, mas se ele morrer terá que acertar as contas com o cramunhão. O que salva é a Rede Bandeirantes, porém, faz seu humor com muita cautela. Mas não fica a deveriva do humor água com sal.

Da esquerda para direita: Welder Rodrigues, Adriano Siri, Adriana Nunes, Victor Leal, Jovane Nunes e Ricardo Pipo

Visite o site - www.osmelhoresdomundo.com

Por isso acredito que a prática da liberdade de expressão aconteça somente nos palcos. Confesso que me surpreendi quando tive contato com o humor sagaz e criativo dos atores Welder Rodrigues, Adriana Nunes e Jovane Nunes. Talvez os nomes não estejam tão evidentes desta forma. Serei mais claro. Programa Zorra Total: Jaja e Juju (Welder Rodrigues e Adriana Nunes) e Zeca Pimenteira “Olho Gordo” (Jovane Nunes). Lembrou? Esses três grandes profissionais fazem parte da companhia Melhores do Mundo. Admito que nunca havia dado a mínima atenção, principalmente aos seus personagens repletos de piadas clichês e bordões grudentos. Mas depois de assisti-los na peça “Hermanoteu na Terra de Godah” e “Noticias Populares”, percebi o quanto são criativos e realmente engraçados. Fica evidente como as emissoras efetivamente boicotam todo o potencial criativo de seus atores e manipulam a finalidade de suas obras.

Por isso acredito que, em teoria, a internet é o único lugar onde o conceito de socialismo funciona. Se não houvesse a internet não teríamos acesso a diversas formas de manifestações e expressões artísticas. É claro que também estamos sujeitos a uma gama de entretenimento barato como vídeos de “periguetes e manos” dançando no youtube ou trechos do Stand Up do Sérgio Mallandro. Mas a internet, ao contrário da TV que apenas nos dá a opção de trocar do sujo para o mal-lavado, ela nos possibilita fazer escolhas e buscar o que realmente nos interessa, longe de qualquer programação pré-definida.

Sim, eu fiz o download do DVD. E não sejamos hipócritas em relação ao compartilhamento de arquivos na internet. Somente os grandes líderes das indústrias cinematográficas e fonográficas chamam o “download” de pirataria. Afinal eles não estão lucrando com os impostos de cada produto que é compartilhado. Quem lucra é o artista com a divulgação de seu trabalho e a venda dos ingressos de suas apresentações. Isso acaba com o intermédio que o parasita fazia entre “o artista” e a “obra”; “a obra” e o “público”. Por fim o artista dependente apenas de uma única coisa: seu talento único.

Aliás, amigo leitor, saiba que pirataria de verdade consiste no ato de vender a cópia de um produto (tênis, CD, DVD, brinquedos, políticos...) com o merchandising do produto original. Compartilhar arquivo não é crime. O compartilhamento não me impediu de pagar 45 reais para ver a companhia Melhores do Mundo no teatro de minha cidade. Por isso acredito que a internet é um grande meio de democratização da informação. E até que esse blog e outros não sejam boicotados, haverá sempre a prática da verdadeira liberdade de expressão.

DANILO GENTILI
Politicamente Incorreto

Qual a razão deste longo post? Por que fiz todo esse discurso até aqui? Pois dificilmente, ou melhor, quase impossíveis, veríamos Danilo Gentili destilando todo seu humor satírico e extremamente ácido aos políticos com tanta liberdade na TV Aberta como o fez em seu show. Com essa narrativa, além da minha opinião sobre a censura velada é um apelo simplório a importância desse canal de comunicação: a internet.

Com o Stand Up Comedy “Politicamente Incorreto”, Gentili é totalmente indecente com os escândalos políticos e as mentiras descaradas da história política do Brasil. O espetáculo é uma apresentação memorável na cidade de Brasília, exibida simultaneamente pelo portal UOL. Seus comentários e humor satírico passam por fatos políticos que vão desde Fernando Collor, José Sarney, Dilma e muitas outras estrelas do senado. Sua apresentação é uma mostra de como deveria ser abordado o humor e o próprio Stand Up no Brasil.

Se o próprio Danilo Gentili, por ventura, ler isso. Só espero que ele passe por Maringá para que eu possa gargalhar pessoalmente. Assim como George Carlin, outro excelente humorista de Stand Up Comedy [Leia o artigo – Aqui], Danilo Gentili tem meu sincero respeito. É precisa além de coragem, muita sinceridade naquilo que faz, um humor sem falso moralismo ou hipocrisia. Que você continue “Politicamente Incorreto”!

ACESSE DANILO GENTILI

O SITE - danilogentili.uol.com.br
O BLOG - http://danilogentili.zip.net

Trecho do Stand Up "Politicamente Incorreto"

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Arquivo: Torrent